quinta-feira, 13 de abril de 2017

AS BRANQUELAS

NOTA 2,0

Apesar de se sustentar sob uma
farsa tosca e mal arquitetada,
comédia é um sucesso de popularidade,
talvez justamente por ser mal feita
Quando vai ao ar a chamada de que mais uma vez A Lagoa Azul ou Ghost - Do Outro Lado da Vida vai ser exibido na "Sessão da Tarde" são inevitáveis as piadinhas quanto ao prazo de validade dos filmes (há controvérsias quanto a isso) e sobre a falta de bons programas para rechear a TV aberta. A lista de repetecos da clássica faixa de filmes da Globo é gigantesca, porém, o que é oferecido pelos canais pagos também não fica muito atrás. Reprises de fitas populares como De Repente 30, A Sogra e Como Se Fosse a Primeira Vez batem cartão com frequência em variados canais semanalmente, mas o caso da comédia besteirol As Branquelas é digno de uma análise mais profunda sobre números de audiência, perfil dos espectadores ou simplesmente para constatar a falta de conteúdo dos canais por assinatura. Praticamente todos os dias o longa é exibido em algum canal, isso quando também não é exibido duas vezes ou até mesmo simultaneamente. Qual o segredo para tanta popularidade? Aparentemente nenhum, apenas mais um certeiro golpe de sorte dos irmãos Marlon e Shawn Wayans que já tinham tirado a sorte grande com o deboche Todo Mundo em Pânico. Eles vivem respectivamente Marcus e Kevin Copeland, agentes do FBI que estão com o emprego por um fio após fracassarem feio em sua última missão. Dispostos a mostrar serviço eles embarcam por conta própria em uma secretíssima operação. Eles descobrem que as milionárias irmãs Wilson, Brittany (Maitland Ward) e Tiffany (Anne Dudek), duas patricinhas loucas por fama e diversão, estão na mira de sequestradores. Contudo, o caso é entregue aos agentes Vincent Gomez (Eddie Velez) e Jack Harper (Lochlyn Munro), uma dupla tão atrapalhada quanto os outros dois detetives que acabaram incumbidos da simplória e ingrata tarefa de escoltarem as jovens socialites durante um fim de semana em Beverly Hills. Elas vieram especialmente para participarem de um badalado evento em que sonham ser o centro das atenções e estamparem a capa de uma famosa revista. De fato elas vão roubar a cena, ou melhor, suas substitutas.

quarta-feira, 12 de abril de 2017

A TROCA

NOTA 9,0

Angelina Jolie carrega nas costas
drama baseado em fatos reais que se
estende além do necessário, mas ainda
assim uma opção de primeira e requintada
Histórias baseadas em fatos reais costumam dividir opiniões. Muitos compram a ideia de que realmente tudo que se vê na tela de fato aconteceu enquanto outros tem a sabedoria de compreender que muitas passagens são adaptadas ou até mesmo inventadas em prol dos objetivos de seus realizadores. Com A Troca, drama de época dirigido por Clint Eastwood, não foi diferente, sendo que a produção colheu um considerável número de críticas negativas. Ou melhor, em partes. Tecnicamente o longa é correto, com reconstituição de época, fotografia e iluminação de primeira, mas em questões narrativas muitos condenam a opção pelo melodrama rasgado e que estende além do necessário o drama vivido por Christine Collins (Angelina Jolie), embora ele propicie facilmente a identificação com o público. Em meados de 1928, em Los Angeles, a telefonista sai de casa em um sábado a tarde para trabalhar tranquilamente não imaginando que aquela seria a última vez que poderia abraçar e beijar seu pequeno filho Walter. Quando volta ele simplesmente sumiu sem sinal algum de que possa ter ocorrido algum tipo de violência ou furto em sua casa. De imediato ela procura ajuda da polícia que age desdenhosamente no caso. Após cerca de cinco meses de angústia finalmente vem a notícia de que o garoto fora encontrado, mas na verdade Christine é forçada a aceitar uma criança em sua vida. Na época o Departamento de Polícia local estava com sua credibilidade abalada e precisava com urgência de uma boa ação para recuperar seu prestígio. Atordoada com o assédio da mídia e dos populares, além de sua própria excitação com a boa nova, Christine aceita levar o suposto Walter para casa, mas no fundo sabe que está se agarrando em vão em um breve momento de conforto. Persuadida a acreditar que o menino está diferente tanto física quanto emocionalmente por conta do trauma do sumiço e pelo passar do tempo, ela tira a prova dos nove comprovando a ausência de um sinal de nascença no corpo da criança. Revoltada, ela decide enfrentar a justiça, mas acaba caindo em uma perigosa armadilha na qual sua vida é colocada em risco para manter uma farsa orquestrada por gente poderosa e influente. Mulher, mãe solteira e corajosa, Christine passa a ser vítima de preconceito e rejeição. Tachada como louca, ela chega inclusive a ser internada em um hospital psiquiátrico onde sofre diversos abusos e humilhações. Nessa fase ela conta com o apoio do Reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich), que bem relacionado consegue colocar boa parte da imprensa e dos populares a seu favor e a ajudou a manter sua determinação viva em busca da verdade.

sexta-feira, 17 de março de 2017

A MORTE LHE CAI BEM

NOTA 8,0

Com protagonistas de peso e com
boa química, comédia ácida sobre o preço
da vaidade poderia ir além, mas nota-se
preocupação maior com efeitos especiais
O título cairia como uma luva para uma obra do excêntrico e mórbido Tim Burton, mas o fato é que A Morte Lhe Cai Bem passou bem longe das mãos do cineasta e caiu direto no colo de Robert Zemeckis, na época em evidência por conta do sucesso da trilogia De Volta Para o Futuro e do incrível encontro entre desenhos animados e atores reais que conseguiu com Uma Cilada Para Roger Rabbit. Sua então nova missão seria comandar uma comédia ácida e crítica a respeito do culto exagerado à beleza e até mesmo do sucesso, porém, mais uma vez colocando os efeitos especiais em destaque, mas nem por isso suplantando o trabalho do elenco talentoso e que deixa transparecer o quanto foi divertido atuar nesta produção. A trama roteirizada por David Koepp e Martin Donovan começa em meados da década de 1970 quando a pretensiosa atriz Madeline Ashton (Meryl Streep) está estreando seu show musical em um teatro. Enquanto se esgoela e requebra no palco o quanto pode, na plateia o público se divide entre caretas e fugas repentinas em sinal de reprovação, mas ainda assim ela consegue conquistar a atenção de um espectador em especial. Ernest Menville (Bruce Willis) é um bem-sucedido cirurgião plástico que se encanta a primeira vista com a atriz e de imediato é correspondido. Bem, por parte dela não era necessariamente amor e sim interesse em seus talentos profissionais que poderiam lhe economizar alguns milhões com procedimentos e produtos estéticos, além de alimentar seu prazer egoísta em mais uma vez atrapalhar a vida de Helen Sharp (Goldie Hawn), a noiva do médico. Escritora frustrada e mal amada, ela acaba perdendo o companheiro para a rival de longa data que já lhe roubara outros tantos namorados. Depressiva e sem rumo, a autora se entrega totalmente ao ócio e à gula e chega até a ser internada em um hospital psiquiátrico. Quando chega no fundo do poço acaba reagindo motivada pelo desejo de vingança e anos mais tarde eis que ressurge em grande estilo para colocar seu plano em prática.

sexta-feira, 3 de março de 2017

ARRASTE-ME PARA O INFERNO

NOTA 8,0

Voltando às origens, diretor Sam
Raimi revisita o terror trash
apostando em bizarrices, escatologia
e delicioso humor negro aliada à tensão
Praticamente todos os diretores de sucesso tiveram um início de carreira modesto como, por exemplo, Steven Spielberg e Tim Burton. Ainda que suas primeiras produções possam parecer toscas ou envelhecidas, nelas é possível identificar claros sinais de criatividade, paixão pelo cinema e diversas características que viriam a permear suas trajetórias artísticas, servir como assinaturas de suas obras e ainda inspirar outros cineastas. Sam Raimi começou sua carreira em meio a bizarrices, escatologia e verdadeiros banhos de sangue. The Evil Dead - A Morte do Demônio é um marco do terror e lembrado até hoje como um dos filmes mais insanos e nojentos de todos os tempos... E isso são elogios! Unindo originalidade e muita inventividade para driblar problemas de orçamento e contratempos, o então marinheiro de primeira viagem acabou realizando um perfeito casamento entre horror e comédia e o que antes era uma fita-maldita acabou ganhando status de cult com o passar dos anos, assim como também são consideradas suas continuações conhecidas no Brasil como Uma Noite Alucinante. Entretanto, vendo o gore show que são essas fitas, quem poderia imaginar que Raimi seria o homem por trás da luxuosa e milionária franquia original do herói Homem-Aranha? Ainda que a terceira e última parte estrelada por Tobey Maguire apresentasse já claros sinais de desgaste e dividiram opiniões, a trilogia faturou rios de dinheiro e deu a oportunidade do diretor criar sua própria produtora de fitas de horror e suspense de onde saíram produções como O Grito e 30 Dias de Noite. No entanto, ele próprio não assumia a direção de um longa do tipo desde 2000 quando lançou o super estrelado e pretensioso suspense O Dom da Premonição. Quase uma década mais tarde, eis que ele surpreende com Arraste-me Para o Inferno, uma divertida e nauseante volta às suas origens. Escrito pelo próprio diretor em parceria com Ivan Raimi, seu irmão, o roteiro gira em torno de Christine Browb (Alison Lohman), uma jovem analista de crédito financeiro de olho em uma promoção no trabalho, mas para tanto precisa convencer seu chefe que está preparada para assumir funções de maiores responsabilidades. Certo dia ela tem a infelicidade de atender a Sra. Ganush (Lorna Raver), aparentemente uma simplória e inofensiva velhinha implorando pela extensão do prazo de financiamento de sua casa.

quinta-feira, 2 de fevereiro de 2017

DO FUNDO DO MAR

NOTA 3,0

Tubarões assassinos caçam
humanos em uma estação de
pesquisas em produção com um pé
no cinema trash, mas fora de época
Na década de 1970 eram muito populares os filmes-catástrofes, produções cujo mote principal são tragédias como naufrágios, terremotos ou acidentes de aviões, por exemplo, mas Steven Spielberg, sempre à frente do seu tempo, com seu clássico Tubarão já antecipava uma tendência dos anos seguintes. As fitas estreladas por animais assassinos ou geneticamente modificados nem sempre encontravam espaço nas salas de cinema, mas bombavam nas videolocadoras, inclusive com muitos lançamentos do tipo exclusivos para abastecer tal mercado que faturou horrores com fitas trash. O VHS do híbrido de aventura e suspense Do Fundo do Mar certamente não iria parar nas prateleiras das lojas, porém, foi produzido tardiamente, às vésperas da virada para o novo século e milênio. Filme certo na hora errada. Se fosse contemporâneo à onda de aranhas, cobras, crocodilos e outras tantas fitas que exploravam ao máximo aberrações da natureza ou o instinto selvagem de animais alterados em laboratórios, o trabalho do diretor Renny Harlin até que poderia ter alcançado certa repercussão e lucros. No entanto, em 1999, ano em que blockbusters calcados em efeitos especiais de ponta como Matrix, A Múmia e o retorno da saga Star Wars bateram recordes de bilheteria, quem se interessaria por uma história de tubarões superdesenvolvidos e assassinos? Os roteiristas Donna e Wayne Powers, em parceria com Duncan Kennedy, acreditaram que haveria público para tal filão e criaram uma trama bastante sufocante tendo como cenário principal uma estação submarina de pesquisas genéticas. Chefiada pela doutora Susan McAlister (Saffron Burrows), a equipe se empenhava no desenvolvimento de uma terapia para a cura do Mal de Alzheimer. A pesquisa visava ampliar a capacidade cerebral de tubarões através de intervenções da engenharia genética e o tecido encefálico alterado seria utilizado na criação de uma fórmula neuro-estimulante capaz de diminuir os efeitos da doença em humanos em estágio avançado de degeneração, como o próprio pai de Susan, esta que obviamente deseja mais que o reconhecimento profissional. O gancho do ser humano brincando de Deus manipulando a natureza também nos remete ao tema de central de outro clássico de Spielberg, Parque dos Dinossauros... Obviamente guardadas as devidas proporções.

sexta-feira, 27 de janeiro de 2017

A COISA (2011)

NOTA 1,0

Idealizado como um prólogo tardio
de uma ficção de sucesso e vendido
fazendo alusão ao título de outro filme,
fita é apenas desculpa para efeitos visuais
Apesar de sempre serem aguardados com ressalvas por parte do público e crítica, as refilmagens continuam sendo feitas de vento e popa em Hollywood, sendo o gênero de terror o que mais levanta a bandeira das releituras. A Coisa foi lançado em 1985 e rapidamente se tornou um trash movie de sucesso, assim uma segunda versão seria apenas questão de tempo até para tirarem proveito do avanço dos efeitos especiais que poderiam melhorar (ou não) a proposta original que envolvia extraterrestres, poder da mídia e os exageros consumistas dos humanos. Com o mesmo título, simplesmente A Coisa, em 2011 alguns espectadores mais dispersos devem ter tido a sensação de serem enganados. Não se trata de um remake e sim de um erro grosseiro da distribuidora no Brasil que traduziu fielmente o título original, certamente uma estratégia para fazer um filme ruim chamar ao menos a atenção de saudosistas. Não deu certo. A fita passou em brancas nuvens, apesar de ser uma espécie de prelúdio tardio do clássico oitentista O Enigma de Outro Mundo, assinado por John Carpenter, então pela primeira vez tendo um polpudo orçamento em mãos e investindo mais em efeitos especiais e maquiagens, o que lhe rendeu críticas negativas visto que era reconhecido por trucagens artesanais. Os anos passaram e trataram de revelar o valor da obra, uma assustadora e desesperançosa visão do mundo. Seu suposto prólogo tardiamente lançado também usa e abusa dos avanços tecnológicos para a construção de seres bizarros, mas fica a dever em conteúdo que o passar dos anos certamente não irá revelar. A trama se passa dias antes da história do longa de 1982, que por sua vez já era uma refilmagem de O Monstro do Ártico baseado em conto de John W. Campbell Jr. Uma equipe de cientistas liderada pelo Dr. Sander Halvorson (Ulrich Thomsen) trabalha em uma remota região da Antártica e Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) é uma paleontóloga que se junta ao grupo para investigar a possível descoberta de uma nave alienígena próxima a uma base norueguesa de pesquisas. Claro que dentro dela existe um estranho ser louquinho para ser descongelado por uma trupe de incautos com quem vai aloprar a vontade. Detalhe: tal criatura tem o poder de entrar dentro de corpos humanos e reproduzir personalidades, assim gerando muitas suspeitas e intrigas entre o pessoal da expedição sobre quem poderia estar infectado. Enquanto a paranoia toma conta de todos, as mortes acontecem em ritmo de maratona.

sexta-feira, 13 de janeiro de 2017

A HORA DO PESADELO (1984)

NOTA 9,0

Ainda que com efeitos envelhecidos
e ideia que poderia render muito mais,
primeiro filme da saga de Freddy Krueger
faz jus a fama que o vilão alimenta até hoje
Qual o nome do assassino de Pânico? E de Lenda Urbana ou Eu Sei o que Vocês Fizeram no Verão Passado? Podendo assumir identidades diferentes de acordo com as “novas” histórias a serem contadas, tais seriais killers não chegaram a ter o mesmo status de seus antecessores da década de 1980, como o lendário Freddy Krueger, interpretado com maestria pelo ator Robert Englund. Com seu olhar psicótico, vozes e gestos característicos e sorriso debochado, a fama do vilão acabou sobressaindo ao próprio título do filme. A alcunha A Hora do Pesadelo pode causar confusão por ser genérico demais, mas basta citar a asquerosa e hipnótica figura do homem deformado com suéter vermelho listrado, chapéu e garras afiadas para que muitos se lembrem que já passaram muitas noites em claro por causa dele. E quem é mais novinho e amante de terror certamente tem a curiosidade aguçada para entender qual a importância deste personagem para o gênero e até mesmo para a cultura pop. O esquecível remake não conta como referência. É preciso estar imerso no clima oitentista para a experiência ser completa. Curiosamente no Brasil, ainda sob controle da censura, o filme estreou com quase dois anos de atraso, quando a primeira continuação já arrastava multidões aos cinemas ianques. A trama, como de costume, apresenta um grupo de adolescentes que é aterrorizado por um sádico assassino, porém, ele só os ataca em pesadelos. Sem fazer rodeios a introdução, além de mostrar como o vilão adquiriu suas famosas garras de metais, já revela também os seus métodos de “trabalho”. Nancy (Heather LangenKamp), Glen (Johnny Depp), Tina (Amanda Wyss) e Rod (Nick Corri) por uma estranha coincidência sonham constantemente com violentos ataques de Krueger e quando acordam as marcas dos ferimentos estampam seus corpos. Os adultos fazem vista grossa para o problema e buscam explicações racionais, inclusive para as mortes de alguns jovens, mas Nancy acredita que o homem que invade seus sonhos e matou seus amigos trata-se de um personagem real, alguém atrelado ao sombrio passado do seu bairro, um segredo que inclusive envolveria seus próprios pais. Como uma vítima em potencial, ela começa a investigar o caso a fim de descobrir o que ou quem é que lhe aterroriza todas as noites e uma forma de acabar com os pesadelos. Você pode aguentar uma, duas ou até três noites sem dormir direito, mas imagine sempre ter o receio de que suas horas de descanso serão na verdade momentos de pura tensão.

quinta-feira, 12 de janeiro de 2017

MATO SEM CACHORRO

NOTA 6,5

Começando como uma comédia
romântica tradicional, longa
traz boas piadas e ideias, deixando
o amor em segundo plano 
É fato que o cinema nacional se sustenta pelas comédias populares. É uma realidade que dificilmente irá mudar. O problema é que temos dezenas de lançamentos do tipo anualmente, mas o crescimento quantitativo não acompanha o ritmo em termos de qualidade. A maioria parece esquecíveis episódios de seriados de TV esticados ao máximo para justificar seus lançamentos nos cinemas e posteriormente para acesso doméstico. Com elenco capitaneado de sucessos da telinha, Mato Sem Cachorro passa resvalando por este crivo por um detalhe crucial: troca o humor pastelão pela ironia crítica. O prólogo é bastante emblemático. Pela orla de uma praia carioca uma família aparentemente perfeita passeia feliz e tranquila curtindo um belo dia de sol, bem no estilo publicidade de margarina só que sem a mesa de café da manhã em exposição. No entanto, tudo é fachada. Como todo ser humano comum eles têm lá seus problemas, muitos problemas, e os momentos de descontração são pontuais, mas a opção de terem ao menos um animalzinho de estimação revela que entre brigas e alegrias o equilíbrio prevalece, afinal qual família-propaganda que se preze abre mão de ter um cachorrinho? É esse o gancho para narrar a história de Deco (Bruno Gagliasso) e Zoé (Leandra Leal). Desorganizado e desatento, o rapaz quase atropela um cãozinho quando fugia do assédio de alguns vendedores de rua querendo convencê-lo a comprar algumas bugigangas. Antes tivesse comprado. Os populares queriam linchá-lo em praça pública, mas acabou sendo salvo pela jovem, uma produtora de rádio que cai de amores pelo bichinho... E pelo rapaz também, obviamente. Seguindo o estilo definido por Hollywood para sustentar uma historinha água-com-açúcar, os primeiros minutos são dedicados a mostrar de forma acelerada como nasceu o amor dos protagonistas que acabam adotando o cão, batizado de Guto e que sofre de narcolepsia, uma rara doença que o faz desmaiar em situações de estresse ou animação (!). Assim, às pressas, uma família se forma, porém, a ruptura não tarda graças as atrapalhadas de Deco que produz um vídeo que viraliza na internet e tira do sério sua companheira. Cansada de tanta imaturidade, Zoé vai embora de casa e leva o “filhinho” do casal, deixando o marido mais perdido e apático que de costume.

sexta-feira, 6 de janeiro de 2017

TUDO PARA FICAR COM ELE

NOTA 1,5

Procurando unir clichês das
comédias românticas com humor
escatológico e apelativo, fita perde
completamente o rumo, se é que tinha
No início dos anos 2000 a atriz Cameron Diaz já tinha seu talento reconhecido e era sondada para atuar em produções de maior relevância que suas habituais comédias românticas, assim não há justificativas para ter aceito estrelar Tudo Para Ficar Com Ele, uma verdadeira mancha em seu currículo. Aparentemente a ideia seria experimentar um novo tempero para o manjado gênero sem excluir o felizes para sempre, mas a receita falhou e um sabor amargo de decepção é inevitável. Apesar do que o título e o material publicitário nacionais indicam não se trata da história de três mulheres disputando um mesmo homem, mas sim uma trama sobre amigas que compartilham mesmas opiniões e sentimentos quanto aos relacionamentos amorosos e se aventuram para conquistar cada uma seu par ideal. Bem, elas não são mais menininhas, já passam da casa dos trinta anos, mas a maturidade parece passar bem longe delas. Comportando-se como adolescentes vivendo suas primeiras experiências amorosas, elas alternam ingenuidade com altas doses de libido e não se envergonham de assumirem que são verdadeiras caçadoras de homens. Diaz encabeça o trio interpretando Christina, linda, gostosa, divertida, enfim o tipo que tem todos os parceiros que quiser a seus pés, ainda mais porque ela só pensa em curtir a vida com liberdade e foge de compromissos sérios. Courtney (Christina Applegate) também pensa e age de maneiras semelhantes, mas já faz planos de encontrar um companheiro fixo e sossegar, mas é claro que quanto mais tarde isso acontecer melhor. Completando o grupo temos Jane (Selma Blair) que está sofrendo com o término de um namoro, mas nada que a impeça de procurar diversão e novas aventuras sexuais. Certa noite elas vão a uma balada dispostas a beber e dançar muito, além de ampliar suas listas de conquistas, nada fora de suas rotinas, isso se Christina não tivesse conhecido Peter (Thomas Jane), um bonitão com pinta de pegador que surpreendentemente esnoba a loiraça que desse momento em diante não o tira da cabeça confundindo seus sentimentos entre orgulho ferido ou paixão verdadeira. Disposta a conquistá-lo de qualquer maneira, ela viaja com as amigas rumo a uma cidadezinha próxima a São Francisco onde descobre que o irmão do rapaz irá se casar, uma ótima oportunidade para declarar seu amor ou no mínimo dar a chance dele se redimir do gelo que lhe deu. No entanto, na afobação não checaram as informações corretamente, pois quem vai se casar é o próprio Peter. Já é de se esperar que o matrimônio vai por água abaixo, o problema é a maneira ridícula com que os ventos sopram a favor da protagonista.

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