sexta-feira, 24 de fevereiro de 2017

RUA CLOVERFIELD 10

NOTA  8,0

Claustrofobia, pânico, insegurança
e melancolia se misturam em suspense
que resgata de certa forma a temática e
ambientação de Cloverfield - Monstro
Lançado em 2008, Cloverfield - Monstro não faturou horrores e tampouco caiu no gosto popular, mas por outro lado conquistou a crítica especializada por conta de seu leve sopro de originalidade.O diretor J. J. Abrams, então em evidência com a repercussão do seriado "Lost", era apenas o produtor da fita, porém, seu nome atrelado certamente deu um reforço para a campanha de marketing. Com cerca de 80 minutos de duração, a obra é bastante tensa e claustrofóbica, deixando aberto o caminho para uma continuação, mas a agenda cheia do criador acabou postergando a ideia. Demorou, mas de certa forma ela foi lançada. Com argumento de Josh Campbell e Matthew Stuecken e roteiro final de Damien Chazelle (do premiadíssimo musical La La Land - Cantando Estações), Rua Cloverfield 10 não é exatamente uma sequência. Além de aspectos técnicos mais hollywoodianos, nenhum ator do filme anterior e nem mesmo o personagem-título dão as caras. Ainda assim, Abrams dá um jeito deste trabalho guardar certo parentesco com a produção sobre a ameaça gigantesca que assola Nova York. Enquanto a grande metrópole era destruída, nesta espécie de sequência não-oficial, conhecemos a jovem Michelle (Mary Elizabeth Winstead) que no começo do filme aparentemente está abandonando o lar e seu companheiro. Desconhecendo a situação caótica que a cidade vive, a moça pega a estrada rumo ao interior e acaba sofrendo um acidente de carro que a deixa inconsciente. Quando acorda ela se vê presa em um cômodo desconhecido e sob os cuidados do misterioso Howard (John Goodman) que lhe afirma que todo o planeta está inabitável devido a um ataque químico provocado por uma invasão alienígena. Agora um dos poucos lugares seguros seria seu "bunker", um tipo de abrigo subterrâneo preparado para proteger das piores ameaças possíveis. Por ter salvo a vida da jovem, o anfitrião deixa claro que ela precisará obedecer suas regras, assim como Emmett (John Gallagher Jr.), outro sobrevivente resgatado.

quinta-feira, 2 de fevereiro de 2017

DO FUNDO DO MAR

NOTA 3,0

Tubarões assassinos caçam
humanos em uma estação de
pesquisas em produção com um pé
no cinema trash, mas fora de época
Na década de 1970 eram muito populares os filmes-catástrofes, produções cujo mote principal são tragédias como naufrágios, terremotos ou acidentes de aviões, por exemplo, mas Steven Spielberg, sempre à frente do seu tempo, com seu clássico Tubarão já antecipava uma tendência dos anos seguintes. As fitas estreladas por animais assassinos ou geneticamente modificados nem sempre encontravam espaço nas salas de cinema, mas bombavam nas videolocadoras, inclusive com muitos lançamentos do tipo exclusivos para abastecer tal mercado que faturou horrores com fitas trash. O VHS do híbrido de aventura e suspense Do Fundo do Mar certamente não iria parar nas prateleiras das lojas, porém, foi produzido tardiamente, às vésperas da virada para o novo século e milênio. Filme certo na hora errada. Se fosse contemporâneo à onda de aranhas, cobras, crocodilos e outras tantas fitas que exploravam ao máximo aberrações da natureza ou o instinto selvagem de animais alterados em laboratórios, o trabalho do diretor Renny Harlin até que poderia ter alcançado certa repercussão e lucros. No entanto, em 1999, ano em que blockbusters calcados em efeitos especiais de ponta como Matrix, A Múmia e o retorno da saga Star Wars bateram recordes de bilheteria, quem se interessaria por uma história de tubarões superdesenvolvidos e assassinos? Os roteiristas Donna e Wayne Powers, em parceria com Duncan Kennedy, acreditaram que haveria público para tal filão e criaram uma trama bastante sufocante tendo como cenário principal uma estação submarina de pesquisas genéticas. Chefiada pela doutora Susan McAlister (Saffron Burrows), a equipe se empenhava no desenvolvimento de uma terapia para a cura do Mal de Alzheimer. A pesquisa visava ampliar a capacidade cerebral de tubarões através de intervenções da engenharia genética e o tecido encefálico alterado seria utilizado na criação de uma fórmula neuro-estimulante capaz de diminuir os efeitos da doença em humanos em estágio avançado de degeneração, como o próprio pai de Susan, esta que obviamente deseja mais que o reconhecimento profissional. O gancho do ser humano brincando de Deus manipulando a natureza também nos remete ao tema de central de outro clássico de Spielberg, Parque dos Dinossauros... Obviamente guardadas as devidas proporções.

sexta-feira, 27 de janeiro de 2017

A COISA (2011)

NOTA 1,0

Idealizado como um prólogo tardio
de uma ficção de sucesso e vendido
fazendo alusão ao título de outro filme,
fita é apenas desculpa para efeitos visuais
Apesar de sempre serem aguardados com ressalvas por parte do público e crítica, as refilmagens continuam sendo feitas de vento e popa em Hollywood, sendo o gênero de terror o que mais levanta a bandeira das releituras. A Coisa foi lançado em 1985 e rapidamente se tornou um trash movie de sucesso, assim uma segunda versão seria apenas questão de tempo até para tirarem proveito do avanço dos efeitos especiais que poderiam melhorar (ou não) a proposta original que envolvia extraterrestres, poder da mídia e os exageros consumistas dos humanos. Com o mesmo título, simplesmente A Coisa, em 2011 alguns espectadores mais dispersos devem ter tido a sensação de serem enganados. Não se trata de um remake e sim de um erro grosseiro da distribuidora no Brasil que traduziu fielmente o título original, certamente uma estratégia para fazer um filme ruim chamar ao menos a atenção de saudosistas. Não deu certo. A fita passou em brancas nuvens, apesar de ser uma espécie de prelúdio tardio do clássico oitentista O Enigma de Outro Mundo, assinado por John Carpenter, então pela primeira vez tendo um polpudo orçamento em mãos e investindo mais em efeitos especiais e maquiagens, o que lhe rendeu críticas negativas visto que era reconhecido por trucagens artesanais. Os anos passaram e trataram de revelar o valor da obra, uma assustadora e desesperançosa visão do mundo. Seu suposto prólogo tardiamente lançado também usa e abusa dos avanços tecnológicos para a construção de seres bizarros, mas fica a dever em conteúdo que o passar dos anos certamente não irá revelar. A trama se passa dias antes da história do longa de 1982, que por sua vez já era uma refilmagem de O Monstro do Ártico baseado em conto de John W. Campbell Jr. Uma equipe de cientistas liderada pelo Dr. Sander Halvorson (Ulrich Thomsen) trabalha em uma remota região da Antártica e Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) é uma paleontóloga que se junta ao grupo para investigar a possível descoberta de uma nave alienígena próxima a uma base norueguesa de pesquisas. Claro que dentro dela existe um estranho ser louquinho para ser descongelado por uma trupe de incautos com quem vai aloprar a vontade. Detalhe: tal criatura tem o poder de entrar dentro de corpos humanos e reproduzir personalidades, assim gerando muitas suspeitas e intrigas entre o pessoal da expedição sobre quem poderia estar infectado. Enquanto a paranoia toma conta de todos, as mortes acontecem em ritmo de maratona.

sexta-feira, 13 de janeiro de 2017

A HORA DO PESADELO (1984)

NOTA 9,0

Ainda que com efeitos envelhecidos
e ideia que poderia render muito mais,
primeiro filme da saga de Freddy Krueger
faz jus a fama que o vilão alimenta até hoje
Qual o nome do assassino de Pânico? E de Lenda Urbana ou Eu Sei o que Vocês Fizeram no Verão Passado? Podendo assumir identidades diferentes de acordo com as “novas” histórias a serem contadas, tais seriais killers não chegaram a ter o mesmo status de seus antecessores da década de 1980, como o lendário Freddy Krueger, interpretado com maestria pelo ator Robert Englund. Com seu olhar psicótico, vozes e gestos característicos e sorriso debochado, a fama do vilão acabou sobressaindo ao próprio título do filme. A alcunha A Hora do Pesadelo pode causar confusão por ser genérico demais, mas basta citar a asquerosa e hipnótica figura do homem deformado com suéter vermelho listrado, chapéu e garras afiadas para que muitos se lembrem que já passaram muitas noites em claro por causa dele. E quem é mais novinho e amante de terror certamente tem a curiosidade aguçada para entender qual a importância deste personagem para o gênero e até mesmo para a cultura pop. O esquecível remake não conta como referência. É preciso estar imerso no clima oitentista para a experiência ser completa. Curiosamente no Brasil, ainda sob controle da censura, o filme estreou com quase dois anos de atraso, quando a primeira continuação já arrastava multidões aos cinemas ianques. A trama, como de costume, apresenta um grupo de adolescentes que é aterrorizado por um sádico assassino, porém, ele só os ataca em pesadelos. Sem fazer rodeios a introdução, além de mostrar como o vilão adquiriu suas famosas garras de metais, já revela também os seus métodos de “trabalho”. Nancy (Heather LangenKamp), Glen (Johnny Depp), Tina (Amanda Wyss) e Rod (Nick Corri) por uma estranha coincidência sonham constantemente com violentos ataques de Krueger e quando acordam as marcas dos ferimentos estampam seus corpos. Os adultos fazem vista grossa para o problema e buscam explicações racionais, inclusive para as mortes de alguns jovens, mas Nancy acredita que o homem que invade seus sonhos e matou seus amigos trata-se de um personagem real, alguém atrelado ao sombrio passado do seu bairro, um segredo que inclusive envolveria seus próprios pais. Como uma vítima em potencial, ela começa a investigar o caso a fim de descobrir o que ou quem é que lhe aterroriza todas as noites e uma forma de acabar com os pesadelos. Você pode aguentar uma, duas ou até três noites sem dormir direito, mas imagine sempre ter o receio de que suas horas de descanso serão na verdade momentos de pura tensão.

quinta-feira, 12 de janeiro de 2017

MATO SEM CACHORRO

NOTA 6,5

Começando como uma comédia
romântica tradicional, longa
traz boas piadas e ideias, deixando
o amor em segundo plano 
É fato que o cinema nacional se sustenta pelas comédias populares. É uma realidade que dificilmente irá mudar. O problema é que temos dezenas de lançamentos do tipo anualmente, mas o crescimento quantitativo não acompanha o ritmo em termos de qualidade. A maioria parece esquecíveis episódios de seriados de TV esticados ao máximo para justificar seus lançamentos nos cinemas e posteriormente para acesso doméstico. Com elenco capitaneado de sucessos da telinha, Mato Sem Cachorro passa resvalando por este crivo por um detalhe crucial: troca o humor pastelão pela ironia crítica. O prólogo é bastante emblemático. Pela orla de uma praia carioca uma família aparentemente perfeita passeia feliz e tranquila curtindo um belo dia de sol, bem no estilo publicidade de margarina só que sem a mesa de café da manhã em exposição. No entanto, tudo é fachada. Como todo ser humano comum eles têm lá seus problemas, muitos problemas, e os momentos de descontração são pontuais, mas a opção de terem ao menos um animalzinho de estimação revela que entre brigas e alegrias o equilíbrio prevalece, afinal qual família-propaganda que se preze abre mão de ter um cachorrinho? É esse o gancho para narrar a história de Deco (Bruno Gagliasso) e Zoé (Leandra Leal). Desorganizado e desatento, o rapaz quase atropela um cãozinho quando fugia do assédio de alguns vendedores de rua querendo convencê-lo a comprar algumas bugigangas. Antes tivesse comprado. Os populares queriam linchá-lo em praça pública, mas acabou sendo salvo pela jovem, uma produtora de rádio que cai de amores pelo bichinho... E pelo rapaz também, obviamente. Seguindo o estilo definido por Hollywood para sustentar uma historinha água-com-açúcar, os primeiros minutos são dedicados a mostrar de forma acelerada como nasceu o amor dos protagonistas que acabam adotando o cão, batizado de Guto e que sofre de narcolepsia, uma rara doença que o faz desmaiar em situações de estresse ou animação (!). Assim, às pressas, uma família se forma, porém, a ruptura não tarda graças as atrapalhadas de Deco que produz um vídeo que viraliza na internet e tira do sério sua companheira. Cansada de tanta imaturidade, Zoé vai embora de casa e leva o “filhinho” do casal, deixando o marido mais perdido e apático que de costume.

sexta-feira, 6 de janeiro de 2017

TUDO PARA FICAR COM ELE

NOTA 1,5

Procurando unir clichês das
comédias românticas com humor
escatológico e apelativo, fita perde
completamente o rumo, se é que tinha
No início dos anos 2000 a atriz Cameron Diaz já tinha seu talento reconhecido e era sondada para atuar em produções de maior relevância que suas habituais comédias românticas, assim não há justificativas para ter aceito estrelar Tudo Para Ficar Com Ele, uma verdadeira mancha em seu currículo. Aparentemente a ideia seria experimentar um novo tempero para o manjado gênero sem excluir o felizes para sempre, mas a receita falhou e um sabor amargo de decepção é inevitável. Apesar do que o título e o material publicitário nacionais indicam não se trata da história de três mulheres disputando um mesmo homem, mas sim uma trama sobre amigas que compartilham mesmas opiniões e sentimentos quanto aos relacionamentos amorosos e se aventuram para conquistar cada uma seu par ideal. Bem, elas não são mais menininhas, já passam da casa dos trinta anos, mas a maturidade parece passar bem longe delas. Comportando-se como adolescentes vivendo suas primeiras experiências amorosas, elas alternam ingenuidade com altas doses de libido e não se envergonham de assumirem que são verdadeiras caçadoras de homens. Diaz encabeça o trio interpretando Christina, linda, gostosa, divertida, enfim o tipo que tem todos os parceiros que quiser a seus pés, ainda mais porque ela só pensa em curtir a vida com liberdade e foge de compromissos sérios. Courtney (Christina Applegate) também pensa e age de maneiras semelhantes, mas já faz planos de encontrar um companheiro fixo e sossegar, mas é claro que quanto mais tarde isso acontecer melhor. Completando o grupo temos Jane (Selma Blair) que está sofrendo com o término de um namoro, mas nada que a impeça de procurar diversão e novas aventuras sexuais. Certa noite elas vão a uma balada dispostas a beber e dançar muito, além de ampliar suas listas de conquistas, nada fora de suas rotinas, isso se Christina não tivesse conhecido Peter (Thomas Jane), um bonitão com pinta de pegador que surpreendentemente esnoba a loiraça que desse momento em diante não o tira da cabeça confundindo seus sentimentos entre orgulho ferido ou paixão verdadeira. Disposta a conquistá-lo de qualquer maneira, ela viaja com as amigas rumo a uma cidadezinha próxima a São Francisco onde descobre que o irmão do rapaz irá se casar, uma ótima oportunidade para declarar seu amor ou no mínimo dar a chance dele se redimir do gelo que lhe deu. No entanto, na afobação não checaram as informações corretamente, pois quem vai se casar é o próprio Peter. Já é de se esperar que o matrimônio vai por água abaixo, o problema é a maneira ridícula com que os ventos sopram a favor da protagonista.

sexta-feira, 30 de dezembro de 2016

CAMINHOS DA FLORESTA

NOTA 8,0

Junção de contos de fadas tem
seus furos e equívocos narrativos, mas
carisma e talento do elenco e recursos
técnicos apurados garantem a qualidade
Espetáculos de sucesso da Broadway mais cedo ou mais tarde terão sua versão cinematográfica, isso é fato. Desde os tempos áureos dos musicais no estilo My Fair Lady, passando pelo premiado Cabaret e culminando em fracassos como Rent – Os Boêmios, projetos que migram dos palcos para as telonas sem dúvida são apostas arriscadas. Teatro e cinema, embora compartilhem características, no fundo são artes distintas, cada qual com seus encantos e recursos para fisgar a atenção de quem assiste. O que pode dar certo ao vivo pode não funcionar na versão filmada e vice-versa. Contando com o aval popular e da crítica graças ao sucesso nos palcos de muitos países, além do chamariz de narrar uma história de fácil assimilação interligando personagens e contos clássicos do universo infantil, Caminhos da Floresta parecia uma aposta segura, mas sua realização complicada se reflete claramente no resultado final. “Into The Woods” foi lançado nos teatros americanos em 1986 com a proposta inovadora de misturar várias histórias dos lendários irmãos Grimm. A adaptação cinematográfica quase três décadas mais tarde já esbarraria na questão criatividade. A saga de Shrek levou ao ápice a fórmula de reinventar e mesclar os contos de fadas e outras produções seguiram a tendência como a própria Disney que em Encantada deitou e rolou tripudiando (ainda que com classe e respeito) em cima dos próprios estereótipos que fizeram a fama do estúdio. A casa do Mickey Mouse mais uma vez banca uma brincadeira com seu portfólio neste musical que não abandona as lições de moral, mas em muitos momentos transpira originalidade e vai muito além do felizes para sempre com uma guinada tensional da trama quando achamos que estamos no clímax. Não é a toa que muitos dizem que o filme poderia ter sido dirigido por Tim Burton devido ao casamento do lúdico com o sombrio. No entanto, a produção é responsabilidade de Rob Marshall, amante dos musicais, tendo acumulado prêmios com o divertido Chicago, incluindo seis Oscars, e sofrido com as críticas ao inconsistente Nine onde os números musicais deveriam alinhavar uma trama que apesar do argumento metalinguístico, um cineasta com bloqueio criativo que busca inspiração nas mulheres que de alguma forma marcaram sua vida, revelou-se um videoclipe megalomaníaco. Nesta nova incursão no gênero, o diretor procurou se ater mais ao script original e a cantoria é parte imprescindível da narrativa substituindo vários diálogos, um tipo de armadilha que o longa supera graças ao carisma do elenco.

quinta-feira, 29 de dezembro de 2016

BONECO DO MAL

NOTA 5,0

Inicialmente intrigante, bom
argumento aos poucos é minado por
trama repleta de clichês, situações
inverossímeis e final desconectado
Realizar um filme de terror original é uma obsessão de muitos cineastas e ao mesmo tempo uma tarefa ingrata. É provável que todos os tipos de fobias já tenham sido explorados e nos últimos anos um dos poucos cineastas a dar certa vivacidade ao gênero foi o mexicano Guillermo del Toro com suas produções esmeradas no apuro técnico e visual e seu estilo já vem fazendo escola. Boneco do Mal não é sequer produzido pelo premiado criador de O Labirinto do Fauno, mas muitas características presentes em sua filmografia compõem o universo deste trabalho calcado na mistura do lúdico com o tensional. A história tem como protagonista Greta (Lauren Cohan), uma jovem americana que está de mudanças para um antigo casarão na Inglaterra para cuidar do filho do casal Heelshire (Jim Norton e Diana Hardcastle) que viajarão em breve deixando pela primeira vez o herdeiro aos cuidados de um estranho. Na verdade, muitas moças já foram recrutadas para ocupar o cargo em outras ocasiões, mas todas foram reprovadas pelo exigente Brahms. No entanto, ele não é um garoto de verdade e sim um boneco de cerâmica no tamanho real de uma criança de oito anos que é criado como se fosse alguém de carne e osso pelos pais idosos que nunca aceitaram a morte do filho verdadeiro em um incêndio há duas décadas. A babá obviamente não leva a sério quando lhe apresentam o menino, mas muda de ideia por conta da seriedade com a qual seus patrões lidam com a situação. Quando descobre sobre a tragédia que abalou a família ela se compadece, porém, existe um motivo bem mais forte para ela aceitar uma ridícula rotina que inclui aulas de música, fazer refeições balanceadas e até dar beijinho de boa noite em um brinquedo. A moça opta pelo trabalho levando em consideração não só o polpudo pagamento, mas também o refúgio oferecido, mantendo-a bem longe de Cole (Ben Robson), seu ex-namorado que a persegue. A mansão dos Heelshire pode ter parado no tempo, mas o mundo fora dele não e é óbvio que será fácil para Greta ser localizada, tempo suficiente para ela estabelecer uma estranha relação com Brahms. É um tanto forçada a ideia de que alguém aceitaria viver em um cinzento e depressivo mausoléu, ainda mais incumbida de ingratas tarefas, mas de alguma forma Laura faz o espectador criar rápida intimidade com o bizarro universo que adentra, ainda que ela siga à risca o perfil das protagonistas de filme de terror.

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