quinta-feira, 31 de dezembro de 2015

O ARTISTA

NOTA 9,0

De origem francesa, preto e branco
e sem um único diálogo sequer, obra
que homenageia o cinema agrada por sua
ousadia e ao mesmo tempo simplicidade
É curioso, mas em plena época em que muitos cineastas, produtores e estúdios passaram a investir pesado em histórias mirabolantes ou tecnologias de ponta e efeitos 3D para atrair o público de volta às salas de cinema ou até mesmo para injetar algo a mais na campanha publicitária de produções deficientes, muita gente do meio cinematográfico se uniu ao coro de críticos do mundo todo para exaltar O Artista, uma surpreendente obra com tom nostálgico que teria tudo para ser pisoteada por onde passasse. Isso na base do preconceito é bom deixar claro. Só vendo para crer no que este trabalho significa, principalmente para os dias atuais em que a arte cinematográfica está tão debilitada e requentada. Filmado em preto e branco, de origem francesa e sem um único diálogo durante toda sua duração, parece até que estamos falando de um daqueles filmes clássicos que vez ou outra são restaurados para serem relançados em cinematecas e salas alternativas, mas o trabalho originalíssimo do cineasta Michel Hazanavicius conseguiu preencher até mesmo as salas multiplex dos shoppings centers. Claro que isso graças às dezenas de premiações que recebeu. De todos os festivais e eventos dos quais participou a obra saiu ao menos com um troféu de lembrança, tendo sua apoteótica consagração no Oscar 2012 que curiosamente não lhe reservou uma das vagas para Melhor Filme Estrangeiro, mas cedeu à obra nada menos que dez indicações das quais cinco transformaram-se em estatuetas douradas, incluindo Melhor Filme e Melhor Direção. Apesar de sua origem francesa, o longa é praticamente uma homenagem à Hollywood dos primórdios do cinema, entre as décadas de 1920 e 1930, um tempo em que uma imagem literalmente valia mais que mil palavras. Hazanavicius arquitetou seu trabalho com muito cuidado para fazer o espectador se sentir feliz ao final da projeção e sonhando com um mundo idílico, uma época que infelizmente não volta mais. Apesar do caráter onírico, o enredo enfoca fatos reais e muito importantes tanto para a História da sétima arte quanto para compreendermos a modernização do mundo.

quarta-feira, 30 de dezembro de 2015

A ÁRVORE DA VIDA

NOTA 9,0

Um dos filmes mais originais
dos últimos tempos só não ganha
nota máxima por inevitavelmente ser
uma obra para público específico
Filmes que participam ou vencem festivais já chegam aos cinemas com uma bela propaganda e com um público cheio de expectativas. Quando há um elenco e diretor de peso e o apoio da mídia, principalmente da internet, a ansiedade pelo que está por vir é ainda maior. Tal movimento de divulgação em massa ocorreu, por exemplo, com Melancolia, de Lars von Trier, que muito antes de estrear já chamava a atenção, até por conta das declarações polêmicas do diretor que na ocasião tornou-se pessoa não grata no Festival de Cannes que antes o recebia de braços aberto. O fato é que ter bastante publicidade de forma alguma serve como termômetro para avaliar se um filme é bom ou ruim e nessas muita gente acaba se decepcionando com o que assiste impulsionadas pelo pensamento de que precisa estar por dentro do que está sendo comentado. É ótimo que exista essa vontade de participar de alguma discussão, mas é preciso estar preparado para saber separar o gosto pessoal do coletivo. No caso de A Árvore da Vida também é preciso saber distinguir o que é um cinema de puro entretenimento e o que é uma produção voltada ao conceito de arte. O longa ganhou projeção pelas indicações e prêmios que conquistou e logo virou objeto de análises de blogs e sites que fomentaram sua publicidade, mas só pelo seu poético título já era de se esperar que é uma obra que prioriza sentimentos e contemplação, ainda mais quando descobrimos que leva a assinatura do diretor e roteirista Terrence Malick. Na época completando 38 anos de carreira, ele contabilizada apenas cinco longas em seu currículo, mas a pouca produtividade em nada arranha a fama do cineasta, pelo contrário, curiosamente só soma, sendo que seus filmes surgem com uma aura diferenciada. Após o pouco visto O Novo Mundo, drama épico que conta a história da índia Pocahontas sob uma ótica mais adulta, ele voltava aos holofotes para tratar da relação entre pai e filho de uma família comum propondo uma interessante analogia com o surgimento do universo até o fim dos tempos. Dessa forma, o diretor narra uma grande viagem pela evolução da vida e tenta desvendar seus mistérios ao mesmo tempo em que liga esses temas ao viés familiar mostrando os efeitos da natureza e da fé sobre um grupo de pessoas. Chegaram a tentar rotular o filme como produção de cunho religioso, mas na verdade não existe defesa de dogmas de qualquer tipo de crença. O objetivo é levar à reflexão sobre os caminhos da vida que é feita de momentos de alegria e tristeza em proporções semelhantes, além de ser influenciada pelos rumos da natureza e do próprio ser humano.

terça-feira, 29 de dezembro de 2015

O AMOR ACONTECE

NOTA 5,5

Vendendo a ideia de comédia
romântica pelo título, longa na
verdade pende mais para o drama
e se prejudica com mocinha insossa
Existem várias maneiras de escolhermos a melhor opção de filme para nos entreter dependendo da ocasião ou de nosso estado de espírito. Podemos nos influenciar pelo material publicitário, elenco famoso, pela sinopse ou simplesmente o gênero que mais nos agrada. Todavia, como é possível optar por um longa que a primeira vista parece ter todos os fatores possíveis para afastar o público? O Amor Acontece está longe de ser maravilhoso ou inovador, bem longe disso, porém, também não é o torrão de açúcar que seu título vende. Quem espera uma comédia romântica engraçadinha poderá se decepcionar. Na realidade o enredo pende muito mais para o lado do drama já que os protagonistas têm histórias de vida envolvendo bloqueios emocionais e quis o destino que seus caminhos se cruzassem. O autor de livros de auto-ajuda, O Dr. Burke Ryan (Aaron Eckhart), trabalha com uma filosofia que direciona seus pacientes a confrontarem as dores e fobias de forma aberta e sem receios, principalmente a dor da perda de um ente querido. Essa seria a única forma das pessoas conseguirem superar traumas ou insatisfações que as impedem de serem felizes. Contudo, o próprio escritor não utiliza tais técnicas e após três anos ainda não superou a morte da esposa em um acidente de carro que ele provocara. Já Eloise Chandler (Jennifer Aniston) jurou nunca mais se envolver amorosamente com nenhum homem após sofrer inúmeras desilusões e decidiu focar suas atenções no seu trabalho como florista. Eles se conhecem por acaso quando o rapaz está na cidade de Seatle para um ciclo de palestras e alguma força os aproxima e os fazem repensar os rumos de suas vidas. O final já sabemos qual será desde o primeiro minuto, mas o desenrolar da trama guarda sutis diferenças que, como já dito, desqualificam o longa para a categoria de comédia romântica. O lado mais dramático do argumento é valorizado, porém, ele não é dividido de forma equilibrada entre os protagonistas.

segunda-feira, 28 de dezembro de 2015

CRUPIÊ - A VIDA EM JOGO

NOTA 6,0

Apesar da premissa batida
envolvendo o universo dos
cassinos, longa ganha pontos com
o refinamento do texto e direção
É curioso como filmes acerca do mundo dos jogos de azar conseguem chamar a atenção principalmente dos chamados cinéfilos de final de semana, mesmo sendo uma temática bastante fechada. Claro que existem nichos de pessoas que conhecem as regras das roletas, carteados e afins, mas a grande maioria é alheia a esses assuntos, principalmente pelo fato dos cassinos serem proibidos no Brasil, assim não sendo uma atividade bem vista e frequentemente associada ao submundo dos crimes e drogas. Crupiê - A Vida em Jogo de certa forma reitera tais preconceitos, mas faz isso com certo refinamento. Na trama escrita por Paul Mayesberg, de O Último Samurai, os gêneros drama, thriller e policial se mesclam de maneira um pouco disforme, mas compensa com um estilo sóbrio que combina com o estilo do protagonista, um homem que também de maneira cautelosa planeja seus passos para se dar bem, mas acaba envolvendo as pessoas que o cercam em ciladas. Jack Manfred (Clive Owen) sonha em se tornar um escritor de sucesso, mas em meio as suas tentativas para publicar seu primeiro romance acaba afogando-se em dívidas. Ele fica sabendo sobre uma vaga de emprego em um cassino londrino como croupier, mas ele tinha prometido a si mesmo que não se meteria mais com jogatinas. Contudo, as dificuldades o forçam a correr atrás deste emprego e, diga-se de passagem, seu desempenho surpreende dia após dia, sem essa de sorte de principiante, mas sua namorada Marion (Gina McKee) insiste para que ele peça demissão e retome a carreira literária. Mal sabe ela que seu companheiro está nesse negócio justamente para observar os frequentadores do cassino e se inspirar para escrever um novo livro sobre um assunto que domina. Não demora muito para que Manfred se desvirtue, principalmente quando se envolve amorosamente com Bella (Kate Hardie), uma colega de trabalho, ao mesmo tempo que não resiste as investidas de Jani (Alex Kingston), uma jogadora que lhe faz uma ousada proposta. Ela quer a ajuda do rapaz para acobertar um grupo de criminosos em um plano para roubar a casa de jogos. Por fim, todas essas experiências o inspiram a escrever a história do croupier Jake, claramente seu alter ego.

domingo, 27 de dezembro de 2015

KATE E LEOPOLD

Nota 6,0 Carisma dos protagonistas ajuda a manter interesse por comédia romântica fantasiosa

Meg Ryan tem uma trajetória profissional mais ou menos como a de Julia Roberts. Seu terreno seguro é o gênero romântico e seus filmes já tem público cativo, talvez por isso elas tenham se tornado símbolo do cinema lucrativo da década de 1990, mas ambas hoje em dia já não estão no mesmo patamar de outrora. A diferença é que a loira de olhos claros não conseguiu transitar bem por outros estilos de filmes e acabou criando raízes em um mesmo, motivo que talvez explique o porquê de sua presença nas telas nos últimos anos ser quase nula. Chegam novas safras de atrizes para ocupar sua vaga e ela sofre com a escassez de bons papéis para mulheres maduras. Todavia, mesmo repetindo um personagem que ela praticamente passou a vida toda interpretando, em Kate e Leopold a balzaquiana prova mais uma vez que faz bem aquilo a que se propõe. Ela dá vida a Kate, uma bela e bem-sucedida executiva do mundo da publicidade que vive brigando com seu ex-namorado Stuart (Liev Schreiber). Eles vivem no mesmo prédio e ela implica com as loucuras do rapaz que se dedica a pesquisas científicas. Um dia, ele descobre um portal que acaba acidentalmente transportando de uma época antiga para os tempos contemporâneos Leopold (Hugh Jackman), um nobre do século 19. Sem saber como mandá-lo de volta para o passado e enfrentando alguns problemas pessoais, Stuart abriga em seu apartamento o rapaz que precisa enfrentar as mudanças radicais existentes entre a época que vivia e a que passou a habitar de uma hora para a outra. Kate inicialmente evita contato com Leopold por achar que ele está fazendo algum tipo de brincadeira já que ele se comporta, fala e se veste estranhamente, mas logo ela passa a se sentir atraída pelo seu jeito gentil e romântico. Um homem do tipo é artigo raro e ela obviamente não poderia deixar passar a chance de literalmente ter um príncipe ao seu lado.

sábado, 26 de dezembro de 2015

A ÚLTIMA PROFECIA

Nota 4,0 Apesar do clima soturno, fita não decola com história arrastada e sem sustos

Embora sabemos que o aviso de baseado em fatos reais geralmente acompanha a publicidade dos filmes mais como um elemento caça-níquel, não é raro nos interessarmos por produções do tipo. Naturalmente elas trabalham em nossas mentes um elemento: a curiosidade. Todos os gêneros lançam mão de tal recurso, mas é certo que fitas de terror e suspense se beneficiam e ainda podem se dar ao luxo de inventar a vontade, afinal sabemos que o argumento é inspirado em episódios reais, mas dificilmente sabemos até que ponto o que vemos na tela de fato aconteceu. Algumas produções também podem esbarrar em temáticas muito regionais, o que impede a repercussão fora de seu país de origem. Bem, no caso de A Última Profecia nem mesmo os americanos deram bola para este suspense arrastado e confuso que não assusta, não envolve emocionalmente e tampouco desperta curiosidade. A fita tem como base a lenda do Homem-Mariposa, um vulto escuro com formas humanas, mas também dotado de um grande par de asas cujas aparições misteriosas sempre antecedem alguma tragédia. Nos EUA há diversos registros de pessoas que afirmam ter tido tal visão, mas ninguém sabe dizer se ele seria um anjo profético,  um mensageiro da morte ou até mesmo um extraterrestre. Também poderia ser delírio de indivíduos facilmente impressionáveis. Baseado em fatos reais ocorridos entre novembro de 1966 e dezembro de 1967 e narrados no livro "The Mothman Profecies" do jornalista e parapsicólogo John A. Keel, o filme acompanha o drama vivido por John Klein (Richard Gere), um jornalista que perde sua esposa Mary (Debra Messing) devido a complicações geradas por um acidente de carro. Ela estava ao volante e momentos antes de perder a direção teria tido estranhas visões que a perturbaram. Durante o período em que ficou internada, ela fazia relatos e desenhava sobre uma criatura sinistra intrigando o marido que após sua morte tenta seguir sua vida, mas o destino parece impedi-lo.

sexta-feira, 25 de dezembro de 2015

OPERAÇÃO PRESENTE

NOTA 9,0

Família Noel procura modernizar
seu esquema de entrega de presentes,
mas quando há uma falha a salvação
para o Natal pode ser o tradicionalismo
Dia 25 de dezembro, é Natal, e os chatos de plantão podem reclamar a vontade, mas não dá para comemorar a data sem curtir um filminho natalino. Todos sabem o que vamos encontrar neles e talvez seja justamente a repetição de mensagens edificantes o que torna tal programa irresistível em uma época em que a maioria está embriagada pela valorização do espírito de união, amor e solidariedade. Geralmente com roteiros que flertam com o drama e a comédia, basicamente tais obras lidam com o tema da recuperação do conceito original desta data festiva e a animação Operação Presente não foge à regra, mas basta um pouco de criatividade para dar certo ar de novidade à produção. Como o Papai Noel entrega tantos presentes em todo o mundo em uma única noite? Tentando responder a essa pergunta que milhares de crianças certamente fazem todos os anos, este desenho traz toques de modernidade em sua narrativa como uma mega operação de confecção e distribuição de presentes com o que há de mais moderno e o sempre necessário núcleo familiar disfuncional desta vez é representado pelos próprios parentes do bom velhinho. A narrativa nos apresenta à Arthur, o filho do Papai Noel, este que não é um milenário ancião como muitos pensam. Ele é o vigésimo homem de uma mesma linhagem a ocupar a vaga ao longo de mais de mil anos de distribuição de presentes, mas as coisas se complicaram comparando-se os dias de hoje com os primórdios desta atividade. A população mundial cresceu de forma descomunal tornando inviável a entrega de todos os presentes ao longo da madrugada natalina, nem mesmo com todo o clã Noel se esforçando ao máximo. Assim, hoje o aposentado e rabugento Vovô Noel, a prestativa Mamãe, o aficionado por tecnologia Steve, apontado como o sucessor do bom velhinho, o próprio Papai, Malcolm, em seus últimos dias usando a roupa vermelha, e ainda o caçula desajeitado Arthur, além de milhares de elfos, viajam em uma moderna e potente aeronave e comandam uma estratégica operação para entregar os brinquedos, praticamente um plano de guerra. O metódico Steve é quem organiza tudo, contudo, mesmo com todo o seu perfeccionismo as coisas não saem como esperado.

quinta-feira, 24 de dezembro de 2015

SOBREVIVENDO AO NATAL

NOTA 7,0

Como toda boa ceia de Natal,
longa conta com situações
tradicionais à produções do gênero
e ratifica mensagens de solidariedade
Todo Natal é a mesma coisa. As pessoas reclamam da correria, dos compromissos, do estresse das compras e do cansaço para os preparativos da ceia e do almoço, mas que atire a primeira pedra quem nunca parou para pensar o quanto seria chato passar esta data sozinho e ignorando tudo que envolva tal festa? Bem, há quem realmente não goste do período natalino e não tem nada que os faça mudar de ideia, mas é certo que muitos preferem esquecer qualquer imagem que lembre ao Papai Noel por causa de lembranças tristes e esse é o ponto de partida de Sobrevivendo ao Natal, comédia que reúne tradicionais elementos de filmes que comemoram a data e exaltam o espírito de solidariedade e a importância da família e amigos, mas que acabou sendo mal recepcionado pela crítica e público americano e consequentemente chegou chamuscado em outros países. A trama gira em torno de Drew Lathan (Ben Affleck), um executivo bem sucedido, mas cheio de problemas emocionais por causa de seu passado humilde e praticamente solitário. Cansado de passar o Natal sozinho ele é aconselhado a voltar à casa em que morou quando criança e assim realizar uma espécie de simpatia para recuperar sua alegria e entusiasmo a respeito da data festiva. O problema é que o tempo só parou de certa forma para o rapaz e agora a residência está ligeiramente modificada e abriga uma nova família, os Valcos. Dizem que tem coisas que o dinheiro não compra, será mesmo? Acostumado a esbanjar dinheiro com futilidades, Lathan não pensa duas vezes e logo propõe uma insólita, porém, tentadora proposta ao clã: oferece um bom dinheiro para que eles finjam serem os parentes que ele nunca teve e lhe proporcionem uma festa natalina tradicional como ele sempre sonhou. O patriarca Tom (James Gandolfini) aceita a ideia numa boa assim como sua esposa Christine (Catherine O’Hara) e seu filho Brian (Josh Zuckerman), mesmo após uma breve hesitação, mas nada que um polpudo cheque não resolvesse. Todo o acordo foi sacramentado com direito a contrato impresso e cláusulas rigidamente estipuladas, mas os Valcos não esperavam que o tal marmanjo iria mudar suas vidas enlouquecendo-os com seus devaneios de família perfeita e tradições natalinas.

quarta-feira, 23 de dezembro de 2015

P2 - SEM SAÍDA

NOTA 5,0

Suspense poderia ir além abordando
a transformação de uma pessoa diante
de situação de perigo, mas fica no clichê
apostando em sangue e claustrofobia
Quem tem que trabalhar na véspera de Natal realmente rem todos os motivos para surtar, mas se o caso é com alguém já problemático a noite feliz tem tudo para acabar em pesadelo. P2 – Sem Saída, em sua essência, aborda um tema que fica muito em evidência nessa época do ano, a solidão, mas apenas o usa como pretexto para sustentar uma história cujo objetivo é deixar o expectador sob alta tensão, sem preocupação alguma em desenvolver os personagens que, diga-se de passagem, basicamente são dois. Faltam poucas horas para a ceia natalina e a advogada workaholic Angela Bridges (Rachel Nichols) ainda está trabalhando no escritório. Quando decide encerrar seu expediente e seguir para a casa de sua irmã percebe que o prédio comercial já está totalmente vazio e o pior é que seu carro não quer pegar. Presa no segundo andar do estacionamento (para quem ainda não havia compreendido o título), ainda bem que, ou melhor dizendo, infelizmente ela descobre que está na companhia do vigilante noturno Thomas (Wes Bentley). Muito gentil ele lhe oferece ajuda sem hesitar e até a deixa usar seu gabinete para dar um telefone, mas não demora muito para ela descobrir um lobo em pele de cordeiro. O rapaz nutre uma paixão platônica por Angela e armou uma emboscada com direito a ceia romântica e tudo, mas é óbvio que as coisas não saem como ele esperava. Incialmente, o segurança esforça-se para demonstrar seu amor e ser correspondido, porém, a resistência da jovem atiça seu lado perturbado. Começa assim uma longa sessão de tortura na qual a própria Angela é intensamente agredida, mas segundo seu algoz tudo é em nome do amor.

terça-feira, 22 de dezembro de 2015

ESTÃO TODOS BEM

NOTA 8,0

Com trama folhetinesca que
mescla estilo de cinema europeu
e independente americano, drama
conquista com temas universais 
O mundo mudou, mas o tempo não apaga o desejo dos pais em verem seus filhos bem encaminhados na vida. Por mais moderninhos que possam ser, que atire a primeira pedra o pai ou a mãe que não sonhou ao menos uma vez com um futuro brilhante para seus pimpolhos, incluindo a escolha da profissão que seguiriam? É a partir dessa ansiedade que se alicerça o drama Estão Todos Bem, versão americana do italiano Estamos Todos Bem dirigido por Giuseppe Tornatore em 1990. Com roteiro e direção de Kirk Jones, do simpático Nanny McPhee – A Babá Encantada, o longa nos apresenta a Frank Goode (Robert De Niro), um sessentão viúvo e aposentado que ocupa seus dias com tarefas domésticas como limpar a casa, cuidar do jardim e fazer compras. Aliás, sua última visita ao supermercado foi especial, pois ele comprou os ingredientes para uma refeição muito aguardada. Além do trivial, escolheu um bom vinho e até comprou uma churrasqueira, tudo para recepcionar com muito carinho seus quatro filhos para um almoço. Depois que se tornaram adultos e cada um seguiu sua vida em um lugar diferente dos EUA, há anos eles não conseguiam se reunir, mas este homem sabe que essa separação não é algo recente. Ele sempre trabalhou em uma fábrica de cabos telefônicos dedicando-se ao máximo para poder dar de tudo do bom e do melhor para sua família, mas só agora que está sozinho se deu conta que ao longo da vida dedicou pouca atenção a eles e não os viu crescer. Contudo, todo entusiasmo de Frank transforma-se em frustração quando cada um dos convidados telefona na véspera do encontro para avisar que não poderá ir mais, cada um com uma desculpa. Todos menos David, esse que nem chegou a justificar sua ausência. Só por esses minutos iniciais o longa já fisga a audiência. Os filhos estariam mesmo com problemas ou o passado da família é que os impedem de tentarem se aproximar do pai? Sejam lá quais forem os motivos, o elo com espectador já está praticamente estabelecido afinal de contas quem nunca passou por uma situação frustrante semelhante? Muitos pais que o digam, mas o amor incondicional paterno passa por cima de qualquer adversidade ou mal entendido e por isso Frank resolve fazer suas malas e viajar para visitar cada um de seus filhotes e em cada porta que bate uma surpresa o espera. Os rostos sorridentes e inocentes de suas crianças foram substituídos por feições abatidas e levemente tristes, mas custa para este senhor à moda antiga compreender que nada mais é como antes e que os planos que traçou para cada um deles não vingaram. A sensação de decepcioná-lo seria o motivo do afastamento destes jovens adultos, mas existe um agravante na situação.

segunda-feira, 21 de dezembro de 2015

ANASTASIA

NOTA 7,5

Seguindo a risca fórmulas Disney,
animação cumpre seu papel de entreter,
mas apesar da trama de cunho adulto
longa peca no quesito originalidade
Não tem jeito. Longa-metragem de animação divertido e de qualidade é sinônimo de Disney e ponto final. Durante muito tempo tal empresa conseguiu ostentar elogios do tipo, mas no final da década de 1990 outros estúdios começaram a se organizar para contra-atacar a gigante do entretenimento familiar. Após um longo e conturbado período a casa do Mickey Mouse conseguiu se reerguer com sucessos como O Rei Leão, projeto que mostrou que ousar poderia ser o segredo para se manter no topo, porém, versões infantilizadas de contos como Pocahontas e O Corcunda de Notre Dame não conseguiram a repercussão esperada. Mesmo assim, outros estúdios resolveram entrar na briga pela audiência infantil e consequentemente conquistar a atenção de seus pais explorando tramas originais ou de cunho mais adulto. A Twenty Century Fox, uma das mais tradicionais companhias cinematográficas dos EUA, aproveitou um momento de descuido da concorrente que relançava no Natal de 1997 o clássico A Pequena Sereia apoiando-se na publicidade da restauração do longa e assim conseguiu espaço para Anastasia brilhar, ainda que discretamente. Animação tradicionalíssima, a fita combina todos os elementos que fizeram a fama da Disney: capricho visual, cenários e figurinos repletos de detalhes, canções que ajudam a contar a história e astros e estrelas emprestando suas vozes aos personagens, além de momentos açucarados ou de emoção escancarada. No centro das atenções uma linda princesa trata de passar a mensagem de que para ser alguém na vida é preciso ter coragem, determinação e caráter e é claro que um detestável vilão não poderia faltar para reforçar a lição de moral de que o crime não compensa. Baseada na peça teatral de Marcelle Maurette, a trama se passa na Rússia entre as décadas de 1910 e 1920 e segue os passos da infância à juventude de Anastasia, a filha do Czar Nicholas. Em dezembro de 1916, durante uma noite de festa no palácio da nobre família Romanov, uma confusão acontece devido a Revolução Russa e o maldoso feiticeiro Rasputin aproveita para se livrar de todos aqueles a quem declarou guerra. Do tradicional e poderoso clã apenas a Imperatriz Maria sobrevive ao ataque. Sua dor é maior pela perda da neta ainda criança, assim decide se mudar Paris para tentar esquecer a tragédia.

domingo, 20 de dezembro de 2015

DANÇANDO PARA A VIDA

Nota 4,0 Ancorado pela presença de Emma Watson, longa é frágil e com falhas de edição

Era uma vez um solitário senhor de idade que passou toda a sua vida dedicando-se à paleontologia, sua grande paixão, mas o solitário Matthew Brown (Richard Griffits) tem uma tardia surpresa. De uma hora para a outra se vê obrigado a aceitar em sua casa sua sobrinha Sylvia (Emilia Fox), que acabara de ficar órfã, e sua babá (Victoria Wood), mesmo que a jovem já não fosse mais nenhuma criancinha para precisar de cuidados de uma ama. A inesperada família que forma acaba por abrandar o coração do professor que surpreende ao aceitar a guarda de mais três meninas que ainda bebês são colocadas em seu caminho. Batizadas com o fictício sobrenome Fóssil, homenagem a paixão do idoso por dinossauros e também por ser uma alcunha única como a forma que elas entraram em sua vida, Pauline (Emma Watson), Petrova (Yasmin Paige) e Possy (Lucy Boyton) acabaram crescendo longe do pai adotivo que sumiu em uma expedição e não deixou muitos recursos para se manterem, a não ser sua mansão que para gerar receita acaba virando uma pensão. Ambientado na década de 1930 em um bucólico bairro londrino, Dançando Para a Vida resume essa introdução em poucos minutos adotando certo tom de fábula, mas infelizmente ao longo da projeção percebemos que este não é um cuidado narrativo. A edição rápida e truncada perdura ao longo de todo o filme e tira o brilho da singela história de Heidi Thomas baseado no romance "Ballet Shoes" de Noel Streatfeild. Feito para a televisão britânica e lançado no Brasil diretamente em DVD, o longa claramente se apóia na popularidade de Watson, sendo o primeiro trabalho da então atriz-mirim fora da série de Harry Potter, mas que aqui passa longe da imagem carismática que carregava. Talvez justamente para apresentar um trabalho diferenciado é que tenha aceitado o papel. Inicialmente meiga, Pauline perde a doçura ao descobrir seu talento para a interpretação e quando consegue uma chance para atuar no teatro, despreparada, ela deixa a fama subir à cabeça e passa a agir de forma grosseira e tempestiva com as pessoas e a quebrar regras.

sábado, 19 de dezembro de 2015

ESTRADA MALDITA

Nota 5,0 Com ambientação própria ao medo, longa peca ao revelar segredos cedo demais

Parece que a véspera de Natal está se tornando uma data macabra, ao menos para o cinema. Se antigamente a época era sinônimo de comédias leves para toda a família, nos últimos anos têm chamado a atenção a quantidade de produções que usam o festejo como pano de fundo para contar histórias de suspense e horror, sempre colocando suas vítimas diante de situações extremas que as forçam a acionar seus instintos de sobrevivência. Estrada Maldita segue bem essa linha. O roteiro de Joe Gangemi e Steven Katz, este responsável pelo texto do ótimo A Sombra do Vampiro, começa em uma sala de aula quando uma estudante (Emily Blunt) está trocando mensagens de celular com uma amiga a respeito da viagem que fará para passar o Natal com a família. Pela primeira vez ela iria fazer o trajeto de ônibus, mas um mural de recados da faculdade lhe chama a atenção e ela resolve aceitar a carona oferecida por um outro aluno (Ashton Holmes), uma prática comum nos EUA. Aparentemente o rapaz só estava fazendo uma gentileza, mas aos poucos a garota começa a desconfiar que ele não é um completo desconhecido e que sabe demais sobre sua vida, sendo a oferta da carona algo premeditado. O pé atrás aumenta quando o jovem decide pegar um atalho que os leva a uma rota alternativa em meio a uma densa floresta. Estaria ele tramando um sequestro ou estupro? O fato é que a viagem que deveria durar cerca de seis horas acaba entrando madrugada a dentro por conta de um acidente que atrapalha os reais planos do rapaz, tempo suficiente para a dupla tentar ajustar suas diferenças, mas fatores externos interrompem constantemente a conversa. Sem comida, com o celular fora de área, presos dentro do carro por conta de uma forte nevasca e tentando se proteger de um frio literalmente de matar, eles aguardam ansiosos por ajuda, mas as chances de alguém passar por aquele lugar isolado são mínimas. Será mesmo?

sexta-feira, 18 de dezembro de 2015

O CASTELO ANIMADO

NOTA 10,0

Após alcançar fama fora do
Japão, Hayao Miyazaki faz
animação com tema universal,
mas mantendo-se fiel ao seu estilo
Você já não aguenta mais a metralhadora de piadas e referências e os personagens hiperativos que compõem a maioria das animações atuais? O traço perfeitinho e as cores fortes também não te impressionam mais? Se você se encaixa nesse perfil, infelizmente a temporada de desenhos quase idênticos nos cinemas já não se restringe mais aos períodos de férias. Todos os meses praticamente há um lançamento com pinta de moderninho, mas que não deixa de trazer uma sensação precoce de déja vu. Ainda bem que as produções mais convencionais, que hoje podem ser vistas como novidades em meio a enxurrada de produtos semelhantes, conseguem achar seu público em DVD. Da mesma forma que Woody Allen tem seus fãs cativos que esperam com ansiedade cada novo trabalho do cineasta, podemos dizer que Hayao Miyazaki ocupa uma posição similar, porém, uma referência exclusiva do campo das animações. Utilizando o mínimo possível de recursos tecnológicos e apostando muito mais na beleza dos traços feitos a mão, o animador há décadas vem construindo uma carreira sólida, mas seu nome só veio a ser conhecido mundialmente e além do circuito alternativo quando ganhou o Oscar de Melhor Filme de Animação por A Viagem de Chihiro. Felizmente o sucesso foi tão grande, tanto entre platéias intelectuais quanto populares, que o mundo todo teve o prazer de assistir seu projeto seguinte, O Castelo Animado, mais um trabalho sofisticado, inteligente e ao mesmo tempo de uma simplicidade ímpar. Aliás, ambos os desenhos, assim como toda a filmografia de Miyazaki, guardam semelhanças visuais inegáveis, mas isso não é um problema. É sempre um prazer acompanhar uma bela narrativa contada através de imagens de encher os olhos e personagens fantásticos que diferem totalmente do maçante estilo de animação que impera atualmente. Não que tais produtos sejam ruins, pelo contrário, existem vários primorosos, mais já chegamos a um ponto que até os temas se repetem ou alguém já se esqueceu da coqueluche que foram os desenhos cuja ambientação era o fundo do mar há alguns anos? Para não puxar a sardinha totalmente para o lado oriental do assunto, é preciso destacar que este filme tem certas semelhanças com o enredo de A Bela e a Fera que apesar de ser um clássico literário teve sua fama imortalizada pela Disney. Contudo, aqui temos uma reunião harmoniosa da maioria dos elementos que compõem um belo conto de fadas. Temos um príncipe, feiticeiras, um castelo, os seres inanimados que falam e uma donzela aparentemente frágil, mas cheia de coragem e determinação. Para quem conhece o estilo do diretor, obviamente já sabe que tais clichês das histórias clássicas são apresentados de maneira muito original, porém, preservando suas essências.

quinta-feira, 17 de dezembro de 2015

GÊNIO INDOMÁVEL

NOTA 9,0

Jovem rebelde e terapeuta
ressentido passam a ver a
vida com outros olhos através
da troca de experiências
Os gênios incompreendidos sempre intrigaram a ciência e fascinaram cineastas que enxergaram em diversas histórias verídicas um material fértil para ser transformado em filmes. Curiosamente, um dos trabalhos mais lembrados do tipo nasceu das mentes de dois jovens completamente sadios, mas que se achavam verdadeiros peixes fora d’água no mundo em que viviam. Os hoje mundialmente famosos Matt Damon e Ben Affleck já se conheciam desde a infância e batalharam paralelamente pelos seus espaços no mundo do cinema, mas até meados dos anos 90 só recebiam convites para produções convencionais e na maioria das vezes nas quais os jovens eram retratados de modo estereotipado ou debochado. Juntos eles resolveram criar o próprio roteiro dos sonhos, onde teriam a chance de retratar a geração a qual pertenciam de maneira mais realista, uma turma que tem sonhos, dúvidas, raiva, amor e inteligência, mas que nem sempre encontra apoio para mostrar seus talentos ou ser o que gostaria. O destino ajudou e os escritos chegaram às mãos do ator Robin Williams que fez a ponte para transformar o sonho dos dois rapazes em realidade. Assim começou a trajetória de sucesso de Gênio Indomável, longa que enfrentou com bravura a pressão do Titanic nas principais premiações de 1998 chegando a ser apontado como um forte candidato as principais categorias do Oscar. Para os preguiçosos de plantão é muito fácil ler a sinopse e logo rotular este trabalho como algo no estilo Sociedade dos Poetas Mortos ou tantos outros filmes que lidam com a relação mestre e aprendiz na qual cada uma das partes tem a vida enriquecida com as experiências adquiridas com o convívio com a outra, geralmente pessoas aparentemente sem nenhum vínculo em comum, mas que pouco a pouco vão descobrindo afinidades, lembranças ou problemas que os conectam, todavia, essa premissa neste caso vai além das expectativas. A trama gira em torno de Will Hunting (Damon), um rapaz que trabalha como faxineiro em uma conceituada universidade, mas seu comportamento arredio, sempre se metendo em brigas, respondendo com agressividade e se entregando a bebedeiras acaba por levá-lo à cadeia. É nessa fase que o matemático Gerald Lambeau (Stellan Skarsgard) descobre que o adolescente é dotado de uma Inteligência assombrosa. Mesmo sem nunca ter frequentado as aulas do ensino superior ele é capaz de resolver complexas equações matemáticas que alguns estudiosos da área levaram anos para chegar ao resultado final. O professor sabe que sua descoberta tem potencial para ser reconhecido como um novo gênio, mas precisa domar o rapaz antes de mais nada.

quarta-feira, 16 de dezembro de 2015

A.I. - INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL

NOTA 9,0

Spielberg encanta e emociona
com mescla de drama e ficção
acerca de um futuro no qual
a artificialidade impera
Existem filmes que demoram anos para serem lançados não pelo motivo de problemas com a produção, mas simplesmente pelo capricho de seus realizadores na ânsia de criarem um marco cinematográfico. Stanley Kubrick é responsável por obras emblemáticas como 2001 – Uma Odisséia no Espaço e Laranja Mecânica e passava até mesmo anos trabalhando em cima de um mesmo projeto até que o considerasse perfeito, mas ironicamente não viveu para ver sua última criação sair do papel. Já Steven Spielberg se acostumou a lançar filmes em curtos espaços de tempo com produções complicadas alternando com obras mais simplórias, assim agradando as platéias que só querem se divertir e aquelas que desejam um produto com mais conteúdo e de quebra mantendo seu nome em evidência constantemente. Era um sonho de ambos um dia poderem dividir os créditos de uma mesma produção, mas o falecimento de Kubrick jogou a ideia no limbo. Ou melhor, por pouco isso mesmo aconteceu. Como forma de homenagear o colega, o homem que tornou real as imagens de alienígenas e até ressuscitou os dinossauros assumiu as rédeas de A.I. – Inteligência Artificial, um longa que dividiu e ainda divide as opiniões de especialistas e do público.  Kubrick sempre deixou explícito em suas obras, de forma leve ou pesada, idéias pessimistas e apocalípticas quanto a sociedade e o destino da humanidade. Curiosamente partiu dele mesmo a iniciativa de desenvolver um enredo acerca de um menino-robô dotado de emoções que é adotado por um casal para substituir o filho verdadeiro. Baseando-se no livro “Super Brinquedos Duram o Verão Inteiro”, de Brian Aldiss, no final dos anos 70 o cineasta tinha acordado que faria o roteiro, mas entregaria o cargo de diretor à Spielberg que na época já demonstrava uma habilidade ímpar para lidar com efeitos especiais sem que eles se sobressaíssem a emoção. O problema é que a tecnologia disponível na época não permitia as criações tanto de ambientes quanto de personagens cogitadas. As conversas foram retomadas em 1994 após o estrondoso êxito de Jurassic Park que revolucionou o campo tecnológico e nada mais parecia impossível no mundo da sétima arte.

terça-feira, 15 de dezembro de 2015

SIMPLESMENTE FELIZ

NOTA 7,5

Com muita simplicidade e
sensibilidade longa é uma
boa lição de vida que exalta a
felicidade como bem maior
Em qualquer lugar do mundo existe muita gente que é supersticiosa e adora uma simpatia ou uma crendice popular para se apegar quando deseja ter sorte. E isso não é uma regra válida apenas para o primeiro dia do ano para atrair bons fluidos, para alguns é uma necessidade se dedicar constantemente a rituais que prometem auxiliar para conseguir dinheiro, sucesso, amor, saúde, mas no fundo tudo que as pessoas buscam pode ser resumido em uma única palavra: felicidade. A vida de qualquer indivíduo, independente do nível social, é marcada por momentos de tristeza e outros de alegria, sendo que os períodos de insatisfação costumam ser mais constantes, pois faz parte da natureza humana estar sempre almejando alguma coisa para ser feliz. Todavia, ver a vida e os problemas com um olhar mais otimista deveria ser regra básica para todos seguirem dia após dia. É dessa forma que vive a protagonista do filme Simplesmente Feliz, uma produção modesta que mistura drama e humor de forma eficiente, mas se não tem o poder de deixar ninguém extasiado ao menos consegue deixar qualquer um com uma sensação leve e esperançosa ao final. Para trazer a tona tanta sensibilidade para atingir o emocional do espectador, esse trabalho só podia mesmo estar nas mãos de alguém fora da muvuca hollywoodiana. Mike Leigh é um cineasta britânico muito respeitado e premiado que adora lidar com histórias humanas, até mesmo as mais espinhosas como, por exemplo, O Segredo de Vera Drake, uma de suas obras mais famosas e que discute o tema aborto. Depois deste trabalho denso, o diretor resolveu mergulhar em um universo leve e descontraído, uma essência que felizmente o título nacional preservou.  Existe tristeza nas histórias de humor da mesma forma que há espaço para a comédia nos dramas. Basicamente é esse pensamento que moveu Leigh na hora que concebeu o roteiro deste filme aparentemente despretensioso, mas que possui camadas mais profundas assim como sua protagonista que a primeira vista pode parecer um tanto infantil ou inverossímil, porém, uma pessoa comum que apenas deixa o seu bom humor ditar as regras de sua vida.  Poppy (Sally Hawkins) é uma professora de escola primária que é uma otimista incorrigível. Sempre vestida com roupas coloridas, usando muitos acessórios e mantendo um largo sorriso no rosto, ela tenta aproveitar ao máximo sua vida. Por gostar de brincar com situações sérias, ela passa a imagem de ser irresponsável, talvez por isso esteja solteira, e é desse modo que a enxerga Scott (Eddie Marsan), seu professor da autoescola, que não suporta a falta de atenção da moça ao volante e em tantas outras situações. Ela pode estar passando por problemas de relacionamentos ou no trabalho, pode levar várias broncas do instrutor por teimar em dirigir de salto alto ou até mesmo ter sua bicicleta roubada, não importa, Poppy sempre vê as coisas por um lado positivo e gargalha de si mesma e de tudo que lhe acontece diariamente.

segunda-feira, 14 de dezembro de 2015

POLLOCK

NOTA 7,0

Ed Harris se preparou por
vários anos para interpretar
 artista plástico pouco conhecido
e para estrear como diretor
A vida de grandes pintores já foi retratada pelo cinema que frequentemente também abre espaço para conhecermos artistas que tiveram sua importância, mas cuja obra o tempo tratou de apagar da memória coletiva. Infelizmente o mesmo destino é dado à muitas versões cinematográficas que se propõem a invadir a intimidades desses criadores e apresentar ao mundo um pouco de seus trabalhos. Infelizmente foi esse o caminho trilhado por Pollock, drama que deu o Oscar de atriz coadjuvante para Marcia Gay Harden e que marca a estreia na direção do ator Ed Harris que também atua no filme fazendo o protagonista, o artista plástico Jackson Pollock que revolucionou a pintura ao abdicar dos pincéis e passar a utilizar diversos objetos para espalhar as tintas de forma desorganizada, assim cada traço ou borrão em suas telas eram únicos e com texturas variadas, uma técnica moderna que acabou virando moda décadas mais tarde.  Mostrando competência na frente e atrás das câmeras, Harris levou cerca de dez anos para realizar este projeto que também produziu, o tempo necessário para conseguir um modesto orçamento, mas principalmente para que ele se sentisse pronto para encarar a complexa personalidade do artista e o fato de ser o centro das atenções de um trabalho, visto que sua carreira é pautada em cima de atuações coadjuvantes elogiadas. Este trabalho é bem pessoal e ele se entregou totalmente a dura rotina de atuar e dirigir ao mesmo tempo e se arriscou ao decidir levar para o cinema um pouco da história de um dos maiores nomes da pintura moderna norte-americana. Além de estar exposto as várias críticas tão comuns às cinebiografias devido aos exageros, contemplações ou omissões que esse tipo de produção exige para se tornar viável, o ator também já devia estar preparado para as fracas bilheterias afinal Pollock para muitas pessoas era um desconhecido até então e pelo visto continua na mesma situação, só assim para explicar as dificuldades para encontrar ou até mesmo a ausência do título no mercado. É a lei da demanda e da oferta ou os resultados negativos do inverso desta regra mostrando seu poder. Baseado no livro “Jackson Pollock: An American Saga”, de Steve Naifeh e Gregory White Smith, também roteiristas do filme, a trama se concentra em um período profissional peculiar de Pollock, produtivo, mas ao mesmo tempo de certa forma fracassado, e sua relação com a mulher Lee Krasner (Marcia Gay Harden), também artista plástica e uma espécie de agente do pintor.

domingo, 13 de dezembro de 2015

EM MEUS SONHOS

Nota 2,5 Romance é amontoado de clichês, incluindo o mundo gastronômico como pano de fundo

O universo gastronômico é um prato cheio para o gênero romântico e Em Meus Sonhos é mais uma pequena fita que o utiliza como pano de fundo para conquistar o paladar, ou melhor, a preferência do espectador, principalmente mulheres jovens mais propensas a fantasias com príncipes encantados. Natalie Russo (Katharine McPhee) e Nick Smith (Mike Vogel) são dois jovens que estão desacreditados quanto a possibilidade de um amor verdadeiro e obviamente o destino dará aquele empurrãozinho para que seus caminhos se cruzem, porém, somente em sonhos. Se apegando a uma crença da cidade em que vivem que diz que há uma fonte dos desejos, ambos jogam ao mesmo tempo uma moedinha torcendo para que encontrem sua alma gêmea, mas ignoram a presença um do outro. Contudo, eles passam a se encontrar em seus sonhos e a viver um amor platônico, um romance que segundo a lenda deverá ser concretizado em até uma semana, caso contrário o feitiço da fonte se esvai. Talvez se ficasse restrita ao onírico a trama escrita por Teena Booth e Suzette Couture teria uma cadência melhor, mas para dar sustento ao frágil argumento foram (mal) inseridos conflitos cotidianos para os personagens. Nick está insatisfeito com seu trabalho e em paralelo está desenvolvendo um projeto em segredo que acredita que será um ponto de virada em sua carreira, mas vive com seu foco desviado por conta das visitas surpresas e inoportunas de sua mãe. Charlotte (JoBeth Willians) não vê a hora de ver seu filho casado e tenta empurrá-lo novamente para os braços de Lori (Chiara Zanni), sua ex-noiva, mas mesmo que ele não se acerte com ela o importante é que a mulher escolhida passe pelo crivo da sogra. É óbvio que ao conhecer Natalie ela vai implicar e fazer de tudo para impedir o romance... Errado! Contrariando expectativas a mãe do rapaz conhece a garota por acaso antes mesmo do filho e de cara se simpatiza com ela. Numa receita tão insossa, a velha rixa nora versus sogra faz falta.

sábado, 12 de dezembro de 2015

FILHA DA LUZ

Nota 3,0 Na onda do medo da chegada do anticristo, suspense apenas requenta clichês

De tempos em tempos ocorre um fenômeno no cinema e curiosamente diversas produções com temáticas semelhantes são lançadas em períodos muito próximos. Seria espionagem industrial? Bom, no caso de Filha da Luz podemos dizer que foi oportunismo, porém, muito mal aproveitado. Durante o período que antecedeu a virada para o século 21 e para o novo milênio existia o medo do fim do mundo ou da chegada do anticristo na Terra, o que aguçou Hollywood a extravasar seus demônios literalmente. Diversas produções exploraram estes temas e até o clássico O Exorcista foi relançado com cenas adicionais. O longa dirigido por Chuck Russel, da comédia-sucesso O Máskara, e estrelado por Kim Basinger foi só mais um título a explorar o satanismo e a engrossar a lista de produções ruins da safra. Contudo, pouco antes O Sexto Sentido exorcizou qualquer chance de um terror com crianças assustar por um mínimo de uns dez anos ou mais, já que ainda ecoa na mente de muita gente. Mesmo assim o cineasta quis tocar o projeto capenga de olho em outro gancho. Lançado na época de auge das videolocadoras e do DVD e ainda com o frisson das dúvidas espalhadas por fanáticos religiosos quanto ao futuro da humanidade, certamente a fita atraiu curiosos e aficionados pela temática, mas hoje é esquecido. E com razão. Basinger interpreta Maggie O’Connor, uma solitária e pacata enfermeira que tem sua rotina modificada com a visita surpresa de sua irmã mais nova, a irresponsável e viciada em drogas Jenna (Angela Bettis), que chega acompanhada da filha recém-nascida. O intuito da visita é apenas entregar a criança para Maggie que acaba adotando-a meio que à força, porém, o tempo passa e uma relação de mãe e filha se estabelece com a pequena Cody (Holliston Coleman). Aos seis anos de idade e com um leve autismo diagnosticado, a menina começa a demonstrar ter dons especiais, o que chama a atenção de uma seita religiosa que acredita que ela seria uma espécie de reencarnação de Jesus Cristo, a única pessoa capaz de deter os planos do Diabo para dominar o planeta.

sexta-feira, 11 de dezembro de 2015

RATATOUILLE

NOTA 10,0

Simpática animação
protagonizada por um
esperto rato é um banquete
para todas as idades
A equipe de criação e animação da Pixar já deu vida a objetos parcialmente inanimados como automóveis e brinquedos, deu personalidade para seres marinhos e transformou monstros em criaturas adoráveis. Bem, não é nenhum espanto então que o simpático e criativo ratinho protagonista de Ratatouille tenha caído no gosto popular facilmente. O diretor Brad Bird, o mesmo que conduziu Os Incríveis, foi esperto ao fazer uma receita gostosa que agrada a todos os paladares desde crianças até idosos, a começar pelo título que leva o nome de um famoso prato vegetariano francês. O cinema sempre utilizou elementos relacionados a cozinha ou alimentação para contar belas histórias, mas em animação esse viés ainda é pouco explorado. Com muita classe e charme, o cineasta concentra sua história praticamente toda dentro de um famoso restaurante em Paris, na França, onde uma improvável amizade nasce entre um humano e um roedor e é estendida para o campo profissional. A história começa mostrando rapidamente o cotidiano do ratinho Remy que vive em meio a outros roedores conformados em se alimentarem de restos e que propagam a idéia de que os humanos são perigosos. Eles vivem em um sítio onde uma velhinha sempre assiste ao programa de TV do famoso chef de cozinha Auguste Gusteau que tem como lema a frase "todo mundo pode cozinhar". São nessas palavras que Remy se apega sonhando em mudar de vida, principalmente quando algo inesperado acontece e ele fica sozinho. Sua única distração é um livro de receitas, porém, o próprio Gusteau, já falecido, começa a aparecer para o ratinho e conduzi-lo para Paris, lugar conhecido por sua gastronomia refinada e paisagens inspiradoras. Atraído até o Gusteaus's, o badalado restaurante do finado cozinheiro, Remy conhece Linguini, um atrapalhado ajudante de cozinha que acaba ganhando o crédito por uma sopa elogiadíssima, mas na verdade, o rapaz estava prestes a arruinar esta receita, mas com a intervenção do ratinho e seu apurado paladar para temperos o prato é salvo e até mesmo o restaurante que estava com conceito baixo entre os críticos gastronômicos ganha sobrevida. A partir de então Linguini e Remy fazem uma parceria de trabalho e amizade, mas escondem isso do dono do restaurante, o baixinho mal humorado Skinner, que toma conta do local desde a morte de Gusteau. Ele é o vilão da trama que desde o início desconfia da súbita intimidade do auxiliar de cozinha com o fogão e quer a todo custo provar que existe algo por trás disso tudo. 

quinta-feira, 10 de dezembro de 2015

GARÇONETE

NOTA 7,0

Apesar da simplória imagem
de comédia romântica, longa
tem uma história que arrisca
abordar temas relevantes
Se todo mundo diz que as comédias românticas andam açucaradas demais, a cineasta e roteirista Adrienne Shelly resolveu assumir definitivamente tal rotulagem no longa Garçonete, uma deliciosa produção com pitadas de drama que foge um pouquinho dos padrões do gênero. A atriz Keri Russell teve aqui a sua grande chance de aparecer para o grande público, embora o filme tenha tido uma passagem relâmpago pelos cinemas e aterrissou nas locadoras e lojas sem fazer barulho mesmo tendo uma repercussão positiva quando exibido no Festival de Sundance, a grande vitrine dos projetos independentes. Conhecida pelos maníacos por seriados de TV, a jovem só foi ganhar um papel de destaque em um filme após quase uma década de tentativas. Ela dá vida a Jenna, uma moça que acabou se auto-sufocando pelas barreiras que ela mesma impôs para sua vida. Ela tem um talento incrível para a culinária, mais especificamente para criar tortas criativas e deliciosas, porém, ao invés de batalhar para ter seu próprio restaurante ela prefere continuar trabalhando como garçonete para Old Joe (Andy Griffith), um patrão grosseiro, em um restaurante de categoria rebaixada. Todavia, tal emprego acaba lhe dando um pouco de alegria e a faz esquecer seu triste cotidiano marcado pela falta de sensibilidade do seu marido Earl (Jeremy Sisto) e por lembranças melancólicas de seu passado que não lhe foi muito generoso. Se ela própria não se dá o devido valor como mulher e tampouco como profissional, quem iria despertá-la para a vida? Pois é justamente um pequeno ser o responsável por mudar os rumos desta pacata garçonete. Logo no início do filme Jenna descobre que está grávida. Bem, dizem que um filho muda tudo, mas neste casa, na realidade, ele vem para enrolar um pouquinho mais a vida da mamãe de primeira viagem. Antes disposta a finalmente terminar o casamento infeliz, agora ela está na dúvida, ainda que pensar em dar a luz a uma criança filha de um homem que ela repudia só lhe afunda ainda mais em depressão. Para descontar sua tristeza e raiva da vida, Jenna passa então a criar os mais diferentes tipos de tortas em velocidade ímpar misturando ingredientes inusitados e as batiza com nomes um tanto bizarros refletindo seus pensamentos e emoções. Por incrível que pareça, tais experiências gastronômicas acabam por conquistar os clientes.

quarta-feira, 9 de dezembro de 2015

CLICK

NOTA 6,0

Adam Sandler repete mais
uma vez o papel do rapaz de
bem que acaba se metendo em
confusões buscando a felicidade
O dia-a-dia pode ser um tanto estressante devido aos compromissos profissionais e com a família, sobrando pouco ou nenhum tempo para uma pessoa pensar em si mesma. Quem nunca imaginou poder se livrar dos problemas mesmo que por alguns minutos todos os dias ou então conseguir controlar o tempo e as pessoas de acordo com sua própria vontade? Que bom seria se a solução pudesse estar na ponta dos dedos. Basta um simples toque em um controle remoto para calar ou congelar pessoas, voltar no tempo ou avançar para o futuro, enfim, uma infinidade de coisas poderia ser feitas com esse aparelho para tornar o seu dia o mais agradável possível. Em cima dessa fantasia é que se apóia a comédia Click, um exemplar típico do “feel good movie” ou em bom português o filme destinado a celebrar os valores familiares assim tornando-se uma opção que agrada a todas as idades, uma produção que não promete mais que puro divertimento. Apesar de recorrer a clichês como piadas visuais com animais simpáticos ou apelar um pouco a um humor grotesco envolvendo flatulências ou excrementos, contudo, prestando um pouco mais de atenção em seu enredo podemos encontrar uma boa lição de moral sobre o que fazemos com o nosso tempo. Não dá para simplesmente viver no passado. Querer chegar rapidamente ao futuro também pode não ser um bom negócio. O jeito é viver o máximo que puder e da melhor forma possível o presente. A história criada por Steve Koren e Mark O’Keefe gira em torno de Michael Newman (Adam Sandler), um jovem que é casado com Donna (Kate Beckinsale) com quem tem dois filhos, Ben (Joseph Castanon) e Samantha (Tatum McCann). O rapaz está passando por um período de crise com a família, não por sua vontade, mas sim por causa de seus inúmeros compromissos profissionais em um escritório de arquitetura que lhe exige dedicação demais. Ele obedece as ordens como um cordeirinho porque deseja chamar a atenção de seu chefe Ammer (David Hasselhoff) e quem sabe conseguir uma promoção.

terça-feira, 8 de dezembro de 2015

QUATRO AMIGAS E UM CASAMENTO

NOTA 2,5

Versão feminina das comédias
que investem em personagens
mais maduros decepciona por
extrapolar limites da liberalidade
No final dos anos 90, American Pie mexeu com os hormônios do público jovem, principalmente dos meninos, e uma série de produtos similares surgiu. Pouco tempo depois, essa turminha cresceu e então o gênero comédia voltou suas atenções para os homens acima dos trinta anos de idade, assim eles se viram bem representados em produções como O Virgem de 40 anos, A Ressaca e Passe Livre. Mas e as mulheres nesta história? As órfãs dos antigos filmes água-com-açúcar protagonizados por Julia Roberts, Meg Ryan, Sandra Bullock e companhia bela simpatizaram-se com os dilemas vividos pelo grupo feminino protagonista de Missão Madrinha de Casamento e assim um novo caminho para o humor no cinema parece ter sido inaugurado, embora tentativas de emocionar e divertir o público com os problemas e as alegrias de grupos de amigas de longa data não sejam nenhuma novidade. É por esse caminho que Quatro Amigas e um Casamento tenta conquistar principalmente as plateias femininas que já passaram da idade de acreditar em príncipe encantado, mas infelizmente o longa não consegue atingir plenamente seus objetivos, pelo contrário, fica muito longe de suas pretensões. Tentando manter o espírito do citado filme das madrinhas de casamento acrescentando ainda um quê de inspiração oriundo de Se Beber Não Case, este trabalho escrito e dirigido por Leslye Headland, estreando como diretora, acaba investindo muito tempo (embora a duração seja curta) em situações grotescas e escatológicas que acabam aborrecendo ou até mesmo envergonhando o espectador que encontra poucos motivos para se divertir. Não é a toa que sentimos a mão pesada de um dos produtores da fita, o ator Will Ferrell, conhecido por seu humor por vezes agressivo. Baseado numa peça teatral da própria Leslye, o roteiro se prende ao reencontro de quatro amigas para o casamento de uma delas. Na época do colegial, Regan (Kristen Dunst), Katie (Isla Fisher) e Gena (Lizzy Caplan) eram garotas muito populares, conhecidas como as abelhas-rainhas, e adoravam perturbar a gordinha e deslocada Becky (Rebel Wilson), mas mesmo assim formavam um quarteto inseparável. Elas cresceram e certo dia uma notícia surpreendente surge. Justamente a garota menos popular do grupo vai ser a primeira a se casar. Essa introdução captamos em poucos minutos, mas é a partir desse ponto que os problemas já começam a surgir.

segunda-feira, 7 de dezembro de 2015

A VINGANÇA DE WILLARD

NOTA 7,0

Refilmagem de clássico trash
de suspense mantém a aura do
original e amplia enfoque sobre
o psicológico do protagonista
O mundo está cheio de gente bizarra. Isso é um fato. O problema é como fazer com que as sociedades passem a respeitar ou procurar ajudar tais indivíduos. Entre as pessoas que se comportam de maneira diferente em relação ao padrão social genérico é claro que existem aqueles que desejam se destacar com hábitos e comportamentos estranhos, mas o número de doentes pode ser bem maior. Sim, os transtornos psiquiátricos e afins podem levar as pessoas a atos extremos e impensáveis e o pior de tudo é constatar que tais distúrbios podem ser ocasionados pelo próprio ambiente em que o indivíduo vive e pelas pessoas que o cercam. Bem, um filme que trate deste tema tem um grande potencial para chamar a atenção, mas dependendo do viés adotado para trabalhá-lo o efeito pode ser contrário. Nessa situação talvez se encaixe perfeitamente o suspense A Vingança de Willard, refilmagem de Calafrio, também conhecido pelo simples nome original, Willard. Datado de 1971, este trabalho do diretor Daniel Mann marcou época por suas inúmeras reprises nas madrugadas da TV e tornou-se um clássico trash, tanto que ganhou uma continuação intitulada Ben – O Rato Assassino, longa que ficou conhecido por ter a música tema cantada por Michael Jackson antes mesmo dele se tornar um pop star. Naqueles tempos já estavam na moda os filmes sobre animais que ocupavam o posto de vilões nos suspenses. Alfred Hitchcock deu o pontapé inicial na onda com o famoso Os Pássaros e em seguida outros cineastas tentaram pegar carona neste sucesso e assim os longas bizarros de horror começaram a se propagar chegando ao cúmulo de termos até tomates assassinos como protagonistas. O longa em questão felizmente é uma refilmagem de um dos bons produtos que podem ser pinçados destas safras, embora dezenas de ratos violentos sejam as estrelas do show. O original é baseado no romance “Ratmans Notebook”, de Stephen Gilbert que também assinava o roteiro. A atualização do texto e a direção do remake ficaram aos cuidados de Glen Morgan, estreando como diretor de longas-metragens, que teve o cuidado de preservar ao máximo a essência do primeiro filme equilibrando muito bem os aspectos técnicos, como as excepcionais cenografia e fotografia, e alinhavando com maestria situações de suspense que flertam com o humor involuntário, além de algumas pitadas de drama.

domingo, 6 de dezembro de 2015

A HORA DA VIRADA

 Nota 2,0 Comédia é apenas mais uma a investir na união do esporte e das lições de moral
 
Todos sabem que os americanos são fanáticos por esportes e que o casamento de tal temática com o cinema já rendeu vários sucessos, mas também muitos filmes esquecíveis não por serem necessariamente ruins e sim pelo fato de não apresentarem novidade alguma, simplesmente repetirem fórmulas já testadas e quase sempre com conteúdo moral edificante. A Hora da Virada não foge à regra e seu título nacional já deixa explícita a mensagem de positivismo trabalhada na base dos clichês pelo roteiro de Jon Lucas e Scott Moore e pela direção de Steve Carr que assim como em seu longa anterior, A Creche do Papai, cria um passatempo ligeiramente divertido, mas sob medida para entreter as crianças, seu público-alvo. Roy McCormick (Martin Lawrence) é um treinador de basquete que veio do nada, mas alcançou fama rapidamente treinando grupos universitários. Sua conta bancária também cresceu em semelhante proporção graças aos vários contratos publicitários que fechou, o que lhe rendeu a alcunha de “o rei do patrocínio”. Porém, o tempo passou e chegou um momento em que a maré de azar bateu e sua equipe perdeu todos os jogos e assim o treinador deixou aflorar seu temperamento egocêntrico e explosivo. Após um ataque de fúria durante uma das partidas, McCormick acaba perdendo o emprego e consequentemente seu contrato com a agência de publicidade. Todavia, para tentar recuperar sua credibilidade e a boa vida que tinha, ele conta com a ajuda de seu empresário, Tim Fink (Breckin Meyer), este que na verdade também é ganancioso é não quer perder seu potencial cliente. O rapaz o convence a recomeçar de baixo, assim com muito custo ele consegue um trabalho voluntário na mesma escola que em sua adolescência o consagrou um campeão das quadras.

sábado, 5 de dezembro de 2015

A CASA DOS MORTOS

Nota 3,0 Produção insossa recicla argumento da casa assombrada por episódio macabro 

De forma simplificada, título é a sintetização da ideia central de uma história transmitida através de uma única ou algumas poucas palavras. Muito se comenta sobre as estranhas nomeações que alguns filmes recebem, mas também há casos em que a escolha apesar de condizente com o enredo acaba soando genérica demais e não empolga. Um bom exemplo disso é A Casa dos Mortos. Quantas produções você já assistiu que se encaixariam perfeitamente a esse título? Usando e abusando do chamado found footage, o uso de imagens de vídeos caseiros e supostamente verídicos, o que turbinou a publicidade de filmes como A Bruxa de Blair e Atividade Paranormal, a trama escrita por Doug Simon, Max Lobello e Will Canon, este que também assina a direção, não deixa de ser um alinhavado de clichês. Michele (Cody Horn), Bryan (Scott Mechlowicz), John (Dustin Milligan), Donnie (Aaron Yoo) e Jules (Megan Park) formam um grupo de jovens que resolve gravar um documentário em uma antiga e abandonada casa que no passado foi palco de um massacre no qual cinco adolescentes foram brutalmente assassinados por uma amiga da escola após realizarem um ritual de invocação satânica, aliás, ela própria se enforcou depois. É claro que para a gravação ter credibilidade e realismo, o grupo decide fazer a mesma sessão espírita que mais uma vez resulta em tragédia. John seria o único sobrevivente do episódio e passa a ser interrogado pela psicóloga Elizabeth Klein (Maria Bello), mas o rapaz está em estado de choque e com dificuldades para relembrar o que aconteceu, embora afirme que dois de seus amigos estão vivos, porém, desaparecidos. Paralelo a isso o detetive Mark Lewis (Frank Grillo) analisa detalhadamente as fitas gravadas pelos jovens na tal residência, assim tendo em mãos um quebra-cabeças que por vezes parece extremamente complexo. Será mesmo tão complicado assim? Para o expectador diplomado no gênero não é muito difícil desvendar os mistérios da trama, o duro é manter a atenção em algo tão insosso.

sexta-feira, 4 de dezembro de 2015

UMA VIDA ILUMINADA

NOTA 7,0

Drama aborda a questão da
importância da preservação da
memória através dos objetivos de
um colecionador de lembranças
Todos ouvimos diariamente a exaltação aos avanços da modernidade e o pessoal que é ligado em tecnologia não tem do que reclamar. Praticamente toda a semana uma bugiganga nova é lançada e hoje é possível em um pequeno aparelho arquivar centenas de lembranças em forma de mensagens de texto, de voz, fotografias ou vídeos, podendo ser materiais pessoais ou de domínio público. O curioso é que mesmo com esses avanços parece que a população mundial está a cada dia com a memória mais curta. O dia-a-dia atribulado ou simplesmente por puro desprezo emocional acaba por fazer com que as pessoas esqueçam até mesmo momentos importantes com a família ou da sua própria vida. Você se recorda de algum objeto característico para lembrar-se da casa de seus avós? Lembra quem lhe deu aquele brinquedo que você tanto desejava no Natal quando era criança? Consegue ter a memória gustativa para lembrar o sabor do bolo de aniversário que ganhou e que mais gostou?  Podem parecer bobagens, mas são estas pequenas lembranças materiais ou emocionais que ajudam a contar a história de cada ser humano, justificar seu presente e de repente apontar caminhos para o futuro. Quem gosta de colecionar objetos provavelmente tem uma sensibilidade superior e desse hábito surgem histórias emocionantes, divertidas e até bizarras. Tem gente que coleciona selos de cartas, outros miniaturas de bonecos ou carrinhos e até moedas e notas de dinheiro antigas podem ter valor sentimental para alguns. O protagonista de Uma Vida Iluminada tem uma coleção bastante curiosa. Ele não se prende a um ou dois tipos de itens, simplesmente ele coleciona momentos da vida de alguém. Jonathan Safran Foer (Elijah Wood) é um judeu americano que após a morte recente do avô decide ir até a Ucrânia para tentar achar a suposta mulher que salvou a vida de seu avô durante a Segunda Guerra Mundial. Uma foto dela acompanhada do falecido e o pingente que ela usava na ocasião são as únicas recordações que ele tem do avô, itens que ele faz questão de guardar com todo cuidado em saquinhos plásticos individuais e etiquetados. Nessa viagem ele recebe a ajuda de Alex Perchov Jr. (Eugene Hutz), um atrapalhado tradutor, e do avô do rapaz, Alex (Boris Leskins), um homem mal-humorado e que está sempre na companhia de um cão-guia, pois afirma que está cego. Durante a jornada este inusitado grupo descobre segredos sobre a ocupação nazista que mexeram como o emocional de todos eles.

quinta-feira, 3 de dezembro de 2015

SEM RESERVAS

NOTA 7,0

Apesar do jeitão de comédia
romântica, refilmagem de
obra alemã investe mais em
drama, mas não poupa açúcar
Nem só de refilmagens de terror e suspenses orientais vive o cinema americano quando existe escassez de ideias. Muitas obras europeias pouco a pouco vão ganhando suas versões americanizadas e antes que alguém se desespere acreditando que um filme muito bom será reduzido a pó em sua releitura é bom deixar avisado que sempre há uma luz no fim do túnel. A comédia romântica Sem Reservas é um bom exemplo que mostra que o que já era bom pode ficar ainda melhor. Baseada no longa alemão Simplesmente Martha, esta produção é um achado em meio a mesmice que se encontra no gênero das comédias românticas, em geral sempre repetindo velhas e manjadas fórmulas que não acrescentam nada de novo. Neste caso as coisas não são muito diferentes, porém, é perceptível que a atualização do texto original para os padrões hollywoodianos foi bem feitinha, as atuações são vigorosas e sentimos certo ar europeu na idealização das imagens e narrativa. Ok, pode ser um pouco de exagero dizer que este trabalho do diretor Scott Hicks é excepcional, mas ao menos o remake não manchou a reputação da obra original de Sandra Nettlebeck, ainda que muitos o considerem apenas mais uma historinha água com açúcar para agradar a mulherada e facilmente esquecível. O longa conta a história de Kate Armstrong (Catherine Zeta-Jones) uma famosa chef de restaurante reconhecida por seu talento, perfeccionismo e personalidade forte. A moça leva uma vida solitária e encontra na cozinha o seu melhor refúgio, porém, sua rotina irá mudar drasticamente por causa de um fato inesperado. Sua irmã morre em um acidente de carro e ela é obrigada a tomar conta de sua sobrinha de apenas dez anos, Zoe (Abigail Breslin), embora ela não seja muita amigável com crianças. O relacionamento das duas não é dos melhores, mas as coisas pioram quando os ânimos de Kate ficam em ebulição com a chegada de um novo cozinheiro, o espaçoso e animado Nick Palmer (Aaron Eckhart), o que ela encara como uma ameaça a seu emprego. Bem, com uma trinca de atores talentosos e simpáticos em cena dificilmente alguém não se sente instigado a dar uma conferida no filme.

quarta-feira, 2 de dezembro de 2015

O EXÓTICO HOTEL MARIGOLD

NOTA 8,0

Longa acompanha a viagem
de um grupo de idosos à
Índia na qual cada um
viverá um tipo de experiência
Parece que nos últimos anos os produtores de cinema perceberam que as pessoas mais maduras também gostam de assistir filmes, muito provavelmente dando muito mais valor às produções que o público mais jovem. Talvez esta seja a explicação para o aumento de trabalhos voltados a essas platéias mais maduras, inclusive o boom de comédias protagonizadas por atores com idades semelhantes a média de seu público-alvo. Um bom exemplo desta safar é O Exótico Hotel Marigold, um agradável passeio pela Índia na companhia de um elenco de luxo reunido pelo diretor John Madden finalmente realizando um trabalho relevante após o premiado Shakespeare Apaixonado. O longa é uma comédia simpática com toques dramáticos que não é perfeita, tem suas falhas, mas talvez o seu jeito despretensioso a transforme em um belo entretenimento. A história pode ser resumida simplesmente como a crônica de um grupo de pessoas da terceira idade que deseja descansar um pouco dos ares ingleses e decide experimentar o tempero do Oriente Médio. O que torna esta experiência interessante é que eles não se conhecem até a chegada ao aeroporto para embarcarem e cada um tem um motivo particular para esta viagem. Muriel (Maggie Smith) é uma ex-governanta preconceituosa em relação a estrangeiros que possui um problema de saúde e precisa ser operada as pressas. Douglas (Bill Nighy) e Jean (Penelope Wilton) são casados há anos e precisam se adaptar à nova situação financeira que os abala. Evelyn (Judi Dench) perdeu o marido há pouco tempo, mas não quer ficar sob os paparicos de familiares. Graham (Tom Wilkinson) é um juiz recém-aposentado que quer voltar à Índia para resolver problemas do passado envolvendo um amor impossível. Por fim, Norman (Ronald Pickup) e Madge (Celia Imrie) não perderam as esperanças de encontrar um grande companheiro, nem que seja para viver juntos os últimos momentos que lhes restam, mas enquanto o parceiro ideal não aparece eles tentam se divertir com rápidos relacionamentos.

terça-feira, 1 de dezembro de 2015

BRILHO ETERNO DE UMA MENTE SEM LEMBRANÇAS

NOTA 9,0

Jim Carrey mais uma vez
prova que tem talento para o
drama em história que
mescla realidade e sonhos
Muita gente tem implicância com determinados artistas e por nada desse mundo dão o braço a torcer e assistem alguns filmes de seus desafetos, mesmo que eles sejam premiados e elogiados. Jim Carrey é um ator que sofre com isso até hoje. Sinônimo de comédia besteirol, ele surgiu para o grande público atingindo sucesso imediato em O Máskara, mas se suas caras e bocas funcionaram perfeitamente nesse trabalho o mesmo não se pode dizer em tantos outros. Querendo se livrar do estigma do homem de um papel só, no final da década de 1990 ele passou a explorar o gênero dramático com êxito, mas ainda assim muitos duvidam até hoje de sua capacidade e talento. Uma pena. Unindo drama com pitadas de humor, ele encontrou um personagem perfeito para expor toda sua capacidade de interpretação em Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças, uma ótima opção para aqueles que ao menos querem tentar mudar sua visão sobre o astro. Se um filme tem o poder de fazer uma pessoa rever seus conceitos tamanho seu impacto, aqui temos esta sensação em dose dupla. Além de enxergar um intérprete de primeira em Carrey, o próprio enredo pode transformar a vida de quem o assiste. A história começa nos apresentando o casal formado por Joel (Jim Carrey) e Clementine (Kate Winslet), dois indivíduos que tentaram de tudo para fazer a relação dar certo até que a moça se desiludiu de vez e resolveu se submeter a um tratamento experimental que retira da memória os momentos indesejáveis. Assim ela tomou a decisão de esquecer tudo que viveu com seu parceiro e sequer saber que um dia o conheceu. Desesperado com o desprezo da mulher que ama, Joel resolve procurar o Dr. Howard Mierzwaik (Tom Wilkinson) e se submeter ao mesmo tratamento de memória seletiva, porém, não tem coragem e durante a operação recorda os motivos que o levaram a se apaixonar por Clementine. Graças as confusões que ocorrem devido a interrupção repentina do tratamento as imagens desta mulher acabam sendo realocadas em lembranças do rapaz nas quais ela não estava presente originalmente.

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